Chur 1947

Zwei Helden des Sports, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten. Zwei Leben auf dem Velosattel, die nicht unterschiedlicher hätten verlaufen können. Zwei Helden des Radsports, die die Schweiz in den fünfziger Jahren in zwei Lager teilten. Auf der einen Seite der asketische Ferdinand Kübler, der aus kleinsten Verhältnissen stammte und sich mit eiserner Selbstdisziplin an die Spitze des Radsports pedalierte. Der sich nach seinem Ausscheiden aus dem Rennzirkus eine solide bürgerliche Existenz aufbaute, der aber auch einer der ersten Radrennfahrer war, die des Dopings bezichtigt wurden.

Auf der anderen Seite der Lebemann Hugo Koblet, der „pédaleur de charme“, der selten ungekämmt ins Ziel fuhr, der schnelle Autos und schöne Frauen liebte und seine Karriere tragisch beenden musste,
nachdem ihm – gegen seinen Willen – Amphetamine gespritzt wurden, die sein Herz schädigten.

Der Berner Autor Gerhard Meister stellt in seinem Stück die Biografien der beiden Ausnahmesportler gegenüber, lässt das Duell zwischen Askese und Sinnesfreude vor dem Hintergrund der faszinierenden Welt des Radsports in einen furiosen Endspurt münden. In diesem faszinierenden Requiem erzählt er aus einer Zeit, in der die Preisgelder noch niedrig, das Doping noch am Anfang und die Fahrer weitgehend auf sich alleine gestellt waren. (Stadttheater Bern)

Das Stück verschränkt vier Geschichten ineinander, die in Monologen und Spielszenen erzählt werden. Da ist die Frau, die zwanzig Jahre nach dem Atomunfall in ihr Land zurückkehrt, ausser den Kühen auf den Weiden ist nichts mehr wie zuvor. Da ist die Wirtin vom Rössli, Entwicklungshelfer erklären ihr, wie man strahlenarm kocht, als würde sich irgendwer von ihrer Kundschaft für Strahlen interessieren. Im Hubschrauber fliegt ein junges Paar über das zerstörte Land hinweg zum Skifahren in den Alpen, auf dem Rückflug muss der Hubschrauber notlanden. Und da ist der Mann in seiner Wohnung, der sich weigert, bei der Katastrophenhysterie mitzumachen.

MANN IN DER WOHNUNG Gau? Sie wollen einen Gau machen? Und wann wollen sie den machen? Also diese Woche ist sehr schwierig. Alles voll bei mir. Nächste Woche, nein. Das heisst Mittwoch nachmittag von drei bis halb fünf, wenn das geht für Sie. Wie lange braucht denn so ein Gau? Aha, verstehe, dann geht das am Mittwoch natürlich auch nicht. Schade.

„Geniessen Sie ein Dampfbad im Kühlturm“, so wirbt ein Atomkraftwerk für einen Betriebsbesuch. Da stehe ich im grenzenlosen Halbdunkel von vierzig Grad heissem Wasserdampf, zugegeben, so ein Betriebsbesuch ist ein Erlebnis. Interessanter ist nur noch, sich auszumalen, was passiert, wenn so ein Ding in die Luft geht.
Gerhard Meister

"Ja, du sollst deine Komödie kriegen. Oder darf's auch ein Märchen sein? Wie auch immer. In der Hauptrolle jedenfalls ein einsamer Dichter an seinem Manuskript. Es war also einmal ein einsamer Dichter, der sass über seinem Manuskript und zwang sich Vers um Vers ab. Die Arbeit war mühsam. Und es ging immer mühsamer. Wer war dieser Nathan, den er Zeile um Zeile aus sich förmlich heraus schwitzte? Was hatte dieser Nathan mit ihm selber zu tun, dem empfindlich gewordenen, bitter gewordenen alten, todkranken Mann an seinem Schreibtisch. Was um Gottes Willen tat er da? Und für wen? Er konnte nichts mehr anfangen mit diesem Nathan. Er hatte selber lange genug das Stehaufmännchen gespielt. Hatte den Tod von Frau und Kind weggesteckt, hatte den kranken Körper weggesteckt, hatte die Zensur weggesteckt. Jetzt ging's nicht mehr, das Wegstecken. Wie war er nur dazugekommen, diesem Nathan den Mord an Frau und Kindern anzudichten, mit dem er dann was tut? Erraten. Wegstecken. Wer steckte sowas weg? Wer zum Teufel war so weise wie dieser Nathan? Er jedenfalls nicht, das merkte er je länger je mehr. Und dieser Nathan, was war er dann? Eine klapprige Marionette, der er Vers um Vers einen weiteren weisen Mund aufmalte. Genug damit."

Stilleben Herr mit Kätzchen entstand als Auftragsarbeit für das Staatstheater Braunschweig und wurde dort in einer Werkstattinszenierung anlässlich des 275. Geburtstages von Gotthold Ephraim Lessing Anfang 2004 erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. Die heutige Annäherung an den klassischen Autor bietet ein ideales Rahmenprogramm für die Inszenierungen seiner Stücke.

Seine Entlassung kam wie der berühmte Blitz aus heiterem Himmel. Seither sitzt er zuhause. Er hat das Haus kein einziges Mal mehr verlassen. Er sitzt und tut nichts. Sie übt sich in Geduld. Er wird sich wieder fangen. Noch ist nichts verloren. Wohnt man nicht in bester Lage? Ist man hier nicht durch Mauern und Videoüberwachungs-
anlagen vor allen Gefahren geschützt?

Bestimmt, so denkt sie, wird alles besser, wenn sie in den Urlaub verreist sind. Das wird ihn von seinen trüben Gedanken befreien, und sie ist auf ein oder zwei Wochen diese fürchterliche Stadt los, wo einem beim Spaziergang durch den Park plötzlich ein toter Penner im Weg liegt. Statt auf den Urlaub zu hoffen, holt er sich eine neue Putzfrau, und das ausgerechnet aus dem Kleefeld, einer zum schlimmsten Armenghetto der Stadt verkommenen Hochhaussiedlung. Sie will diese Putzfrau sofort wieder loswerden. Er denkt nicht dran, die Putzfrau zu entlassen.

Statt dass alles besser wird, wird alles erst richtig schlimm. Er hat einen grimmigen Gefallen entwickelt am freien Fall, in den seine Existenz gestoßen wurde, und arbeitet nun systematisch auf den Aufschlag hin.

Die Welt wird immer kleiner, ihre Widersprüche immer unausweichlicher. Denn noch immer leben die Einen im Überfluss und die Anderen von gar nichts. Und mit Afrika träumt ein ganzer Kontinent vom besseren Leben in Europa. Was aber bedeutet das Gefälle zwischen Arm und Reich und die Migration, die es auslöst, ganz konkret für mich, mein Denken, Fühlen und Handeln? Die Figuren in Gerhard Meisters Stück versuchen den verzweifelt komischen Kraftakt, sich hier und jetzt den Tatsachen ihres Lebens in dieser Welt zu stellen.

"Gerhard Meister hat ein Stück geschrieben, das ein Manifest der widersprüchlichen Gemütslagen ist, die sich aus Mitgefühl und Eigennutz ergeben. Es ist schließlich bekannt, dass in weiten Teilen der Welt bitterstes Elend herrscht. Und zugleich die kapitalistische Wertschöpfung zu geradezu fantastisch anmutendem Reichtum führt.
Meister selbst... hat sich gefragt, "ob es nicht Unsinn ist, ein Stück über die pervers eingerichtete Welt zu schreiben, statt etwas gegen diese Welt zu tun". Und lässt die Figuren auf der Bühne, die nicht einmal Namen tragen, um es nochmal mit des Meisters Worten zu sagen, "in ihren Widersprüchen zappeln". Was ihn zu einer reizvollen Form geführt hat, die zwischen Chor und Monolog wechselt und uns ein kollektives Ich vorführt, das an jenen Widersprüchen regelrecht verrückt wird." (nachtkritik)

„Rosa kam in Argentinien zur Welt. Dort lebt sie schon ihr ganzes Leben. Rosas Mutter ist gestorben. Rosa kennt ihren Vater nicht. Das einzige, was sie von ihm besitzt, sind ein paar Dias. Wahrscheinlich ist er Deutscher. Rosa erwägt die Möglichkeit, diesen Mann zu suchen, um ihn kennenzulernen. Rosa war noch nie in Europa. Bárbara, Evangelina und Raquel auch nicht. All das, was sie von der Ersten Welt wissen, haben sie irgendwo gehört, gesehen
oder gelesen. Nun haben sie die Absicht, Rosa Ratschläge zu geben. Gibt es so etwas wie Zugehörigkeit? Hat man Wurzeln und ein Erbe? Gibt es eine ältere und stabilere Erste Welt? In keinem Fall aber kann es einen diskursfreien Raum geben. Und wenn die Erde dem Vater gehört (Vaterland), gehört die Sprache der Mutter.“ (Romina Paula)

„Es geht um Bilder und Vorstellungen, die wir von uns und vom Fremden haben. Ersehnte und befürchtete, traum- und alptraumhafte. Doch was wissen wir von uns und dem Fremden? Wieweit verweisen diese Bilder und Vorstellungen auf eine Wahrheit, die sich hinter ihnen verbirgt, und wieweit erzeugen sie diese? In einer Art Laborsituation begeben sich vier Frauen auf eine Forschungsreise, die sie mit Bildern und Geschichten konfrontiert. Im Zentrum steht dabei Rosa Tureo, eine junge Argentinierin auf der Suche nach ihrem deutschen Vater, den sie noch nie gesehen hat.” (Gerhard Meister)

Das Stück entstand im Rahmen von DRAMATURGIAS CRUZADAS (Leitung Erik Altorfer und Hartmut Becher), mit der Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia und dem Goethe Institut in Buenos Aires. Die Werkstattinszenierung der vorläufigen Fassung hatte am 6.9.2010 im Espacio Callejón in Buenos Aires in der Regie
von Romina Paula Premiere.

„Eine Konditorei ist kein Gesangslokal, habe ich gesagt. Höflich habe ich das gesagt. Er ist eine Kundschaft, und gegen Kundschaft muss man höflich sein. Ein kleines Happy-Birthday, sagt er, verstehen Sie denn nicht? Man wird nur einmal zwanzig. Das müssen Sie doch verstehen. Sie ist wie meine eigene Tochter, sagt er. ... Sieht sie nicht wunderschön aus, meine schwarze Prinzessin? Muss man nicht auf die Knie gehen vor ihr, muss man sie nicht anbeten, wie sie ausschaut, und sie küssen von den Zehen aufwärts auf jeden Zentimeter ihrer schwarzen Haut, so schön sieht sie aus?“

Doris arbeitet als Bedienung in der Konditorei, weil das Geld, das ihr Mann Erwin nach Hause bringt, hinten und vorne nicht reicht für sie und ihre beiden Kinder. Ihr Leben ist Existenzkampf, nichts können sie sich gönnen, Erwin ist immer müde, und sie hat die Hände des Konditoreibesitzers an ihrem Hintern, in ihrem Ausschnitt.

„Also sollen sie eben hindürfen. Das tue ich für seine Hände, damit er etwas für mich tut ...“

Die schwarze junge Frau mit ihrem Sugar Daddy empfindet sie als Provokation. Und als es zu einem Zwischenfall kommt, kann sie ihre rassistischen Ressentiments nicht länger verbergen.
Der kurze Monolog von Gerhard Meister entstand im Rahmen des Projekts Helping Hands des Autorenkollektivs pol.theater, das im März 2005 am Theater an der Winkelwiese in Zürich uraufgeführt
wurde.

„Wenn am Ende schliesslich ... Doris ... einen minutenlangen, himmelschreienden Monolog hält, ist die Inszenierung bei sich selbst angekommen: bei der ewigen Verliererin, die schwarz, braun oder weiss sein kann und immer auf der Schattenseite des Glücks steht. Wer verurteile ihren Hass auf die (vermeintlich) Glücklicheren, wer werfe den ersten Stein?“ (Neue Zürcher Zeitung)

„Mit was bringe ich mich als nächstes auf Trab?“
Wer bestimmt, ab wann man für bestimmte Dinge zu alt ist? Für Hopserhüpfen, Affären, Zeltferien. Kann man mit fast achtzig Jahren noch eine Bank überfallen? Oder wird das dann gar nicht mehr ernst genommen? Ist es nicht sogar eine moralisch wertvolle Tat, wenn sie eine Bank überfällt und das Geld umverteilt wie Robin Hood – oder auch frei nach Bertolt Brecht, wonach ein Banküberfall kein Verbrechen ist, verglichen mit der Gründung einer Bank?
Eine alte Frau und ein junger Mann betreten die Bühne. Es beginnt ein Spiel, bei dem die Wahrnehmung zu verschwimmen scheint: Erinnerungen werden wieder lebendig – oder waren es nur Wünsche, Träume, Herbeigesehntes? Ist die Gegenwart ganz sicher das Jetzt? Und wie wirklich ist eigentlich die Wirklichkeit? Nichts ist sicher bei diesem Bühnenabend … (Ankündigung Theater an der Effingerstrasse, Bern)

Die Unsterbliche
„Ein Stück für die Schauspielerin Heidi Maria Glössner zu schreiben, dies war der Auftrag an den Autor und Spoken-Word-Künstler Gerhard Meister, der Teil der Autorengruppe «Bern ist überall» ist. Ein Vorhaben, das ihm sichtlich gelungen ist: Glössner nimmt die Bühne vom ersten Augenblick an für sich ein. Es ist eine Paraderolle für die 80-jährige Schauspielerin, die nicht zu altern scheint. Die Szene, in der sie ihrem Erbschleicher-Sohn verkündet, sie sei unsterblich, ihr Arzt habe ihr soeben zu ihren Blutwerten gratuliert, nimmt man ihr problemlos ab.“ (Der Bund / BZ)

Wer hatte nicht schon die Idee: Ich höre auf hier, mit allem, ich mache nicht mehr mit. Natürlich lässt man es sein. Man ist vernünftig und nimmt sich nicht alles weg, was man hat und woran man zu glauben versucht: die Karriere, die Familie, die Zukunft. Gerhard Meisters neuestes Stück hat in seinem Zentrum einen Abwesenden, einer, der von einem Augenblick auf den anderen von seinem Arbeitsplatz aufgestanden ist und Karriere, Familie, Zukunft hinter sich zurück gelassen hat - um Enten zu füttern. Der Entenfreund kreist um einen Abwesenden, der nicht selber zur Sprache kommt, der aber anwesend ist in den Gesprächen, die seine Ehefrau und ein Jugendfreund, sein Vorgesetzter und seine Nachfolgerin miteinander führen; dann gibt es eine Frau aus der Firma, die über ihn als ihren Geliebten erzählt, und einen Mann, der mit der Vertilgung von Ungeziefer beschäftigt ist, zu dem für ihn immer mehr auch der Entenfreund gehört.

Gerhard Meister entwirft in diesem Stück dialogisch und monologisch die Skizze eines Menschen. Aus den unterschiedlichen Perspektiven der verschiedenen Lebensentwürfe entstehen verschiedene Bilder eines durchaus auch faszinierenden Mannes. Durch sein unerklärbares Verhalten gerät die scheinbar selbstverständliche Lebensführung der andern unter Erklärungsdruck und aus den Fugen.

Im September 2004 wurde Der Entenfreund mit dem Stückepreis der Société Suisse des Auteurs ausgezeichnet. Gerhard Meister verfasste das Stück in der Spielzeit 2003/04 als Stipendiat der Kunststiftung Baden-Württemberg.

Gerhard Meister versammelt Momentaufnahmen einer Welt, deren Konturen sich in einer unfassbaren Drohung verlieren...

Wie produziert das Gehirn Bewusstsein und wozu? Ist Bewusstsein etwas, das nur in Gehirnen entsteht, oder tritt es vielleicht auch anderswo auf? Und warum haben die alten Ägypter beim Mumifizieren ausgerechnet das Gehirn als einziges Organ einfach weggeworfen? In diesem Stück versucht das Gehirn, sich selber auf die Spur zu kommen, und begibt sich damit auf einen Trip, auf dem sich die Wirklichkeit Stück für Stück immer weiter auflöst.

Es wird über Kunst geredet – darüber, was einen Künstler ausmacht, was er tut und in welchem Verhältnis zur Gesellschaft sein Schaffen steht. Der große Sigmar Polke beschäftigte sich ein ganzes Künstlerleben lang mit diesen Fragen. Immer reflektierend. Oft ironisierend. Und: stets mit der schöpferischen Kompromisslosigkeit eines Revolutionärs.
Mit seiner Arbeit forschte er danach, was Kunst ist, was Kunst kann. Als Artifex Doctus verfügte er über einen weiten kunsthistorischen Horizont. Als Universalinteressierter setzte er sich aber ebenso ganz konkret mit der Physik von Farben und optischen Effekten auseinander, untersuchte die materielle Basis der Kunst und damit des Geistes, der in ihr steckt. Und selbstverständlich war Polke auch: der schalkhafte Bildungsbürgerschreck, der den etablierten Kunstbetrieb rundheraus ablehnte, sich über ihn lustig machte – und dafür von jenen, die er so verlachte, umso mehr geliebt und verehrt wurde.
Gerhard Meister versucht mit Wir reden über Polke, das sieht man doch!, sich über Sigmar Polke dem Kunstbegriff ebenso wie der konkreten Bedeutung von Kunst für unser Leben und Sein zu nähern: mit offenem Herzen und dem Augensinn, der Theater und bildende Kunst vereint.
Es gibt unzählige Gründe, sich jederzeit mit dem Künstlermenschen und seinem Schaffensgeist auseinanderzusetzen. 2021 wäre Polke 80 Jahre geworden – das nehmen wir gerne als Anlass dazu, ebendies in unserer aktuellen Spielzeit zu tun! (Ankündigung Landestheater Bregenz)

Friedrich Miescher, der durch seine Entdeckung der Nukleinsäure im Jahr 1869 zum Pionier der Genforschung wurde, erkrankte mit bereits fünfzig Jahren an Tuberkulose. Die letzten anderthalb Jahre seines Lebens verbrachte er im Lungensanatorium von Doktor Turban in Davos.
Mieschers Scheitern im frühen Tod, im unvollendeten Werk ist der Ausgangspunkt des Stückes und des Traumes, der die Einsamkeit des Krankenzimmers immer tiefer durchdringt.

Kurze, minimalistische Szenen zwischen Arzt, Patient und der Krankenschwester Anna spiegeln in stetig wiederkehrenden Dialogabfolgen die Monotonie dieses Patientenalltags wider. Gerüstartig halten sie das Stück zusammen.
Zunächst sind die Szenen durchsetzt von Briefen, die Anna an ihren fernen Liebsten schreibt. So hält zumindest sie noch den Kontakt zum Leben außerhalb der hermetischen Welt der Lungenheilanstalt aufrecht. Später prägen zunehmend die Traum- oder Fieberwahnsequenzen Mieschers den Fortgang der Dinge und legen Zeugnis ab von seiner unaufhaltsam fortschreitenden Krankheit.

Entgegen seiner eigenen Maxime gerät nun der Pragmatiker Turban immer mehr in den Bann des Theoretikers Miescher. Immer öfter regt er ihn mit Fragen an, über seine Forschungen zu sprechen. So wie er damit sukzessive die Distanz zwischen Arzt und Patient verliert, gerät auch Anna immer tiefer in den Sog ihrer Beziehung zu Miescher.
Dessen Tod am Ende des Stückes bedeutet nicht nur sein eigenes tragisches Scheitern im unvollendeten Werk, sondern auch das des Arztes.
Und Anna schreibt ihrem Liebsten, dass er sie vergessen muss. Sie wird Davos nicht mehr verlassen.

Mieschers Traum entstand im Rahmen des Dramenprozessors, dem Schweizer Autorenförderprojekt. Es wurde im Juni 2002 in einer szenischen Lesung am Theater an der Winkelwiese erstmals präsentiert.

„Es fängt damit an, dass sie vollkommen erschöpft ist und nur noch ein Ziel hat: ab in die Badewanne. Dann kommt der Anruf. Dem renommiertesten Feuilleton im Land kann die Journalistin nicht absagen, also wird sie jetzt gleich zu diesem Interview aufbrechen. Shark Kiss haben in England schon eine Million Platten verkauft, sie kennt nicht einmal den Namen der Band. Schon die Taxifahrt zum
Flughafen wird zur Tortur, erst recht dann der Flug selber. Aber irgendwie schafft sie es. Sie arbeitet, auch wenn um sie her niemand mehr arbeitet und alles ganz still ist. Je länger desto deutlicher zeigt sich aber: Ihre fleissige Nachtschicht ist nur noch eine Behauptung.
Gerhard Meisters Text zum Thema „Burn-Out“ wird in der Inszenierung mit atmosphärischen Fragmenten versetzt – eine Momentaufnahme einer Person entsteht. Wir stehen bei Kilometer 37: reisst man sich nochmals zusammen oder bleibt man endgültig liegen?“ (Ankündigung Rote Fabrik)

"Die Stärke von Gerhard Meisters Einfraustück liegt in äusserst präzis wiedergegebenen Alltagssituationen. Der Autor thematisiert das zur Zeit viel diskutierte Burnout-Syndrom, und zwar auf eine... bedrängende Weise." (Neue Zürcher Zeitung)

„Freund, hör auf zu klagen – wir segeln nach Amerika
bald hast du was im Magen – Amerika ist nah“

Stellen Sie sich vor, im Land herrscht Hunger und nur wer auf einem unsicheren Schiff seine Heimat verlässt, hat eine Chance, dem Elend zu entkommen. Was für uns ein abstraktes Gedankenexperiment ist, war für die Grosseltern unserer Grosseltern brutale Realität. Um die Mitte des 19. Jahrhunderts herrschte vielerorts in Europa bittere Armut. Der Kapitalismus hatte seine Herrschaft angetreten, für viele bedeutete das aber nur Armut und Not. Zehntausende verließen jährlich ihre Heimat auf der Suche nach einer besseren Zukunft. Amerika war das weitaus häufigste Ziel.

Gerhard Meisters Stück erzählt die Geschichte von Annemarie und Michel, von Erika, Hans und Christen, die ihre Heimat Richtung Amerika verlassen müssen, und setzt gleichzeitig die Kontinente und Zeiten auf ein Karussell. Aus Amerika wird Europa, aus Europa Afrika und nicht selten trifft Europa auf Europa. Das 19. und 21. Jahrhundert verschmelzen zu einem Bogen farbiger und zuweilen drastischer Bilder. So kann es passieren, dass die Bewohner von New York an ihrem Badestrand auf Coney Island mit einem Vanilleeis in der Hand auf angeschwemmte, halbtote Auswanderer treffen, die auf ihrer Flucht aus Europa Schiffbruch erlitten haben. Und wenn es auch zwischendurch scheint, als sei dem Autor jetzt aber endgültig die Fantasie durchgegangen, so beruht das Stück Amerika doch auf Begebenheiten, die sich alle ereignet haben und noch immer ereignen.

Gerhard Meister entwickelt ein Zeitpanorama der historisch verbürgten Zürcher Pension Comi am Vorabend des 2. Weltkrieges. Im Zentrum stehen die Besitzer der Pension Wolodja und Paula Friedmann. Vom jüdischen Emigrant über den Musiker bis hin zum gescheiterten Revolutionär geben sie Verfolgten des Nationalsozialismus Unterschlupf. … Als der Strom der Geflüchteten nicht abbrechen will, stellen sich Gewissensfragen: Wen kann man noch aufnehmen, ohne selbst am Ende in Schwierigkeiten zu geraten?
Der Stoff behandelt den historisch-politischen Umgang der Schweiz mit Geflüchteten und versucht, in dieser Auseinandersetzung einen Bogen zu Fragen der aktuellen Flüchtlingsthematik zu schlagen. Die kleinen und vergessenen Geschichten von damals lassen die große Geschichte und die Migration unserer Tage in einem anderen Licht erscheinen. (Ankündigung Schauspielhaus Zürich)

1918 – kein gutes Jahr in Europa: Der Kontinent befand sich nach dem zerstörerischen Krieg in Aufruhr und Auflösung, die Habsburgermonarchie war zusammengebrochen und niemand in Österreich wusste, wie es weitergehen wird mit der jungen Republik. Ob sie überhaupt lebensfähig ist. Orientierungslosigkeit herrschte auch in Vorarlberg, und dazu eine große Hungersnot, die nur durch Hilfslieferungen aus der Schweiz wenig abgemildert wurde. In dieser Situation stellte sich der Lustenauer Lehrer Ferdinand Riedmann an die Spitze einer Bewegung, die zum Ziel hatte, Gespräche mit der Schweiz über den Beitritt aufzunehmen. Im Mai 1919 kam es zur Volksabstimmung: 80,7 % der VorarlbergerInnen waren dafür. Nur zeigt die Schweiz dem armen Nachbarn die kalte Schulter, und auch die Siegermächte lehnten das Begehren ab: Viele Grenzen wurden neu gezogen, doch das Ländle blieb bei Österreich. Hundert Jahre sind vergangen seit diesen unruhigen Tagen; Europa ist wieder weit instabiler, wird mehr in Frage gestellt, als es uns in den letzten Jahrzehnten möglich erschien. Ein guter Zeitpunkt für einen gleich doppelten Blick zurück nach vorn – und über die Grenze: Ein österreichischer und ein Schweizer Dramatiker schreiben für diesen Doppelabend je ein Stück. Zwei benachbarte Länder, zwei Schriftsteller verschiedener Generationen, zwei unterschiedliche Perspektiven auf den „Kanton Übrig“ – so der Spitzname für Vorarlberg nach der misslungenen Annäherung, auf die man heute vielleicht von der Schweiz aus anders blickt. (Ankündigung Vorarlberger Landestheater, Bregenz)