Boulevard Sevastopol

Factory spielt in der Welt von Andy Warhol, von Jacques Derrida und Christoph Schlingensief, von Reality-TV und Internetfirmen von interaktiven Medien und Terror. Factory spielt in einer Welt, in der ein Künstler nicht versucht, sein Bild von der Realität zu beschreiben, sondern die Welt zum Autor seiner Gedanken macht, in einer Welt, in der ein Darsteller nicht den Protagonisten in einer Geschichte darstellt, sondern die Geschichte zur Darstellung seiner selbst missbraucht, in einer Welt, in der ein Zuschauer nicht ein Werk auf sich wirken lassen kann, ohne es durch seine Betrachtung zu verändern. Factory spielt an einem Ort, wo das Denken zum Feind erklärt wird und der Glaube an eine inexistente Welt die Realität beherrscht.

Seit frühester Kindheit hatte ich Freude daran, meinen Spielkameraden den Kopf zu verdrehen und ihnen die Gewissheit zu rauben, die sie mit der Wirklichkeit verband. Es reichte, für einen Moment die Kerze auszublasen und ein, zwei Sätze zu sagen, die sich mit der Dunkelheit zu einem neuen Bild verbanden, und schon hatte ich jeden in der Hand.
Die Geschichten, die ich erzählte, waren mir im Grunde egal: Meine Freude war es, dass mir die anderen ausgeliefert waren, sobald sie das Reich meiner Fantasie betreten hatten. Auch später, als ich die Klosterschule besuchte, war ich meinen Freunden immer einen Schritt voraus. Noch vor meiner Weihe zum Priester habe ich es geschafft, dem Kirchenobersten weiszumachen, dass er schon bald vor mir knien würde. Den Moment, als es so weit war, hab ich sehr genossen. Heute bin ich Bossuet, der Bischof von Condom. Als schliesslich auch der König vor mir auf die Knie fiel, als auch er sich selbst und seine Vernunft an mich verraten hatte, da wusste ich: Die niederträchtigsten, gewalttätigsten Menschen sind auf meiner Seite. Ja, ich habe das ganze Land in meinen Händen. Und ich bin doch nur eine Nebenfigur. Manchmal aber schreckt mich ein Albtraum aus dem Schlaf. Ich wache auf und bin allein, vollkommen allein. Auf mich selbst gestellt, in einer Welt, die mir nichts glaubt, ohne dass ich es bewiese. Eine Welt, die einfach nur ist, was sie ist. Vater, habe ich gesündigt? Oder hab ich Ihren Willen erfüllt? Vater?
(Ankündigung des Schauspielhauses Zürich)

Vor dem Bühnenvorhang sitzt eine Frau im Kerzenlicht. Im Hintergrund läuft Musik: "Forever night shade Mary". Das Licht geht an.
So könnte ein Theaterstück anfangen oder aber ein Film.
Auf der Bühne steht eine Videoleinwand, der Film beginnt zu laufen. Er erzählt die Geschichte von fünf Leuten, die in einem Videoladen arbeiten und nach ihren eigenen Geschichten suchen.
Gleichzeitig nimmt das Geschehen vor der Leinwand seinen Lauf. Imi, Tim, Lily und Pat sind Schauspieler, Lyn ist Sängerin, Jacques ist der Regisseur. Gemeinsam erarbeiten sie ein Stück, das von der Wirklichkeit handelt. Dabei wechseln ebenso die Rollen wie die Erzähl- und Realitätsebenen.

Bauersimas LAUNISCHER SOMMER, die freie Adaption der Novelle aus dem Jahre 1926, ist eine Parabel auf den schlechtberatenen Kapitalisten, der Stagnation für moralisch hält, der zugleich einen hirnlosen Pragmatismus praktiziert, den er nicht mal vor sich selbst verantworten kann, der entsprechend nicht zu gesundem Selbstvertrauen, sondern zu schlechtem Gewissen neigt und der sich schließlich durch mystische Belämmerung aller Art zu vergewissern sucht, dass moralisches Handeln und vernünftiges Denken nicht dasselbe und sowieso unmöglich sind. Das Stück spielt in einer Badeanstalt, in der Wirklichkeit, Glück, Liebe und Sexualität nur noch abstraktes Konzept sind. Das Wasser, in dem gebadet wird, ist die zeitgenössische Verwirrung. Bis zu dem Tag, da ein Seiltänzer und eine Glasharfenspielerin sich entscheiden, ihr Stehvermögen, ihren Verstand und ihre Unabhängigkeit an diesem unwirtlichen Ort auf die Probe zu stellen.

Die Bühne als Spielfläche im doppelten Sinn.
Vier Menschen treffen sich zum gemischten Doppel auf dem Tennisplatz: ein Geschwisterpaar und deren Ehepartner.
Die vier sind aufeinander eingespielt, die Positionen klar: Dede fühlt sich von Max vernachlässigt und rettet sich in spitze Bemerkungen. Die richten sich hauptsächlich gegen Ira. Max denkt zuviel und hält das Leben trotzdem für einen "undurchdringlichen Salat". Für Ed, Dedes Bruder, ist Ira die einzige Verbindung nach Draußen. Und Ira findet die Leichtigkeit des Seins in ihrem Flachmann.
Da taucht aus dem Nichts Xaver auf und stört das empfindliche Beziehungsgleichgewicht. Er wird zum Schiedsrichter und kommentiert auf subtile Weise den Schlagabtausch der vier Spieler. Bis ihn Iras Schläger versehentlich am Kopf trifft und er wie tot in sich zusammensinkt.
Unter dem Druck der Situation steigert sich das Tempo noch, jeder drischt jetzt auf jeden ein. Die unerwartete Offenbarung Iras, dass Max und sie früher ein Paar waren, sorgt für zusätzlichen Zündstoff. Xaver kommt wieder zu sich, als Ed in hysterisches Lachen verfällt und eigentlich nichts mehr zu retten scheint.

Was Pirandello mit seinen sechs Schauspielern nachträglich und szenisch vom Autor einfordern ließ, schreibt Exil sich selber ein. Der Text beginnt mit dem Bild der schreibenden Autorin an ihrem Computer, deren orientierungsloses und sinnloses Schreiben in einer Schreibblockade unmittelbar Gestalt annimmt. Die Genesis des Textes ist auch die der Figuren, die sich in der Blockade ihrer Autorin schier krümmen. Sie leiden unter ihrer eigenen Ziellosigkeit, fühlen sich zu theoretisch und in einer dramaturgischen Sackgasse, können reflektieren, soweit die Autorin reflektiert, wissen, dass sie sich selber nicht helfen können, wie die Autorin weiß, dass ihr nicht zu helfen ist. Indem sie unbewusst Details ihrer unmittelbaren Umwelt bzw. eigene Handlungen einschreibt, sich über die Sätze ihrer Figuren ab und zu Trost zuschreibt, stellt sich an den genialsten Stellen des Stücks eine Intertextualität her, die die Grenze zwischen Fiktion und Realität vollkommen aufhebt. Die uns die Frage unmöglich macht, ob der beschriebene Suizid der völlig verzweifelten Autorin wirklich stattfindet, da die Text-Welt ihrer Figuren so sehr ihre eigene ist, Abbildung ihres Scheiterns, Schreibakttheorie und -praxis. (Anja Nioduschewski)

Im Anwesen der alternden Schauspielerin Marina von Berg treffen sich Filmleute zur Party. Draußen hört es nicht auf zu schneien. Drinnen spielt Mambo-Kurt Seichtes und Schönes auf seiner Orgel. Bald ist klar: Man ist eingeschneit, keiner kann die 70er-Jahre-Villa verlassen. Anlass der Party ist der Abschiedsfilm der Diva, der bald gedreht werden soll. Leider hat Regisseur Frankie noch keine einzige Idee dafür. Da taucht - und taut - der vor dem Haus eingefrorene Pizzabote Leo auf. Und der hat einen überraschend starken Filmstoff im Kopf. Doch bevor er den ganz entfaltet hat, wandelt sich die Künstlerkomödie zum Krimi. Ein Verbrecher, der sich unters Partyvolk gemischt hat, wird entdeckt und bedroht daraufhin die anderen mit seinem Revolver. Er wird überwältigt und dann gerät wieder der Filmerzähler in den Mittelpunkt, der seine kuriose Geschichte von einem verrückten Professor, einem Verjüngungstrank und einer großen Liebe glücklich zu Ende bringen kann.

Leif liebt Helena. Nun soll sie gestorben sein. Leif kann es nicht glauben. Seine Eltern und seine Freunde versuchen, ihn von ihrem Tod zu überzeugen. Schließlich hat Helena einen Abschiedsbrief hinterlassen. Leif will es nicht glauben. Er macht sich auf die Suche nach der Geliebten. Verschwindet. Seine Freunde finden ihn schließlich an einem völlig verlassenen Ort. Leif wirkt verwirrt. Er spricht mit einer unsichtbaren Person. Er macht ihnen Angst. Sie überwältigen ihn und bringen ihn in eine Anstalt. Aber Leif ist auch dort nicht zu beruhigen. Er hört Helenas Stimme, er sieht sie sogar. Sie kommt ihn besuchen. Zusammen mit ihr bricht er aus seinem Gefängnis aus ...

Man ist geübt darin zu glauben, dass unsichtbare Personen nur den Wahnvorstellungen psychisch kranker Menschen entspringen können. Doch in Lebenswut reicht diese Erklärung nicht aus. Wenn die Handlung zunehmend die Grenzen der Plausibilität zu sprengen droht und Dinge geschehen, die die menschliche Vorstellungskraft übersteigen, so geschieht dies absichtlich. Vielleicht ist Helena doch real und lebend, und die lebenden Toten sind diejenigen, die ihre Existenz verneinen? Am Ende erweist sich Helena, ob tot oder lebendig, als die Verkörperung eines frohen, erfüllten und stolzen Lebens ohne Kompromisse. Sie ist, was uns die Lebenswut am Beginn unserer Existenz alle werden lassen will: FREI.

Die Oper The Rage of Life wurde am 12. November 2010 an der Staatsoper Stuttgart in Koproduktion mit De Vlaamse Opera Antwerpen und Gent uraufgeführt. Igor Bauersima hat aus dem Libretto ein Theaterstück entwickelt.

Drei Menschen, Gina, Tom und Alain, sind einer mysteriösen Einladung gefolgt. Nacheinander tauchen sie an einem nicht näher bestimmten Ort auf. Sie kennen sich nicht. Sie wissen nicht, warum sie dort sind oder was sie erwartet.
Tom ist Schauspieler, er hat ein Buch dabei: Dostojewskijs "Die Dämonen". Die drei beginnen, miteinander Theater zu spielen. Sie schlüpfen in verschiedene Rollen, stellen Szenen nach, improvisieren. Die Frage nach dem Grund ihrer Anwesenheit verliert darüber ihre Bedeutung. Wie in seinen anderen Stücken stellt Bauersima die Frage nach dem Sinn der Existenz. Und wenn es keinen gibt, wo findet der Mensch dann das Glück?
"TOM: ... Der Mensch ist unglücklich, weil er nicht weiß, dass er glücklich ist; nur deshalb. Das ist alles, alles! Wer das erkennt, wird sofort glücklich. Ich bin plötzlich dahinter gekommen."

"Fred und Lea, er ein ... Schriftsteller, sie Schauspielerin, ... haben sich so gern, dass sie die beengten Verhältnisse in ihrem Ein-Zimmer-Produktions-Wohnküchenklo ... mit Fassung tragen und unkorrumpierbar durch noch so lukrative Schwachsinnsangebote vom Fernsehen sind. Bis Tiger auftaucht, Leas alter Freund, der eine steile Karriere als absolut trendgerechter Künstler an der Westküste gemacht hat und selbst das reinste Kunstwerk ist: Über und über ist sein prominenter Körper mit Tätowierungen geschmückt, die neueste an seinem Bauchnabel eitert noch etwas. Im besoffenen Wiedersehensglück gibt Lea der alten Liebe ein folgenreiches Versprechen: Im Falle seine Ablebens ... wird sie den kostbaren mumifizierten Body hegen, pflegen und abstauben. Kurz darauf kommt Tiger bei einer Kunstaktion ums Leben, die plastifizierte Tattoo-Leiche hält Einzug in der Einraum-Hütte. Und stellt das moralisch hochstehende Paar auf eine harte Probe ...
An Tattoo werden sich noch eine Menge Theater versuchen. Hoffentlich." (Theater heute)

Es ist wahrscheinlich, dass wir uns in Richtung einer Welt bewegen, in der die Grausamkeit der Kunst sich ein für allemal in unser Erbgut mischen wird. In Zeiten der technischen Reproduzierbarkeit menschlicher Wesen wird die Pop-Art ihre Perfektion als Population-Art erreichen. Identitäts- und Individualitätsverlust, die Folgen der Gentechnologie, der plastischen Chirurgie und die daraus resultierenden Verunsicherungen unserer Existenz sind die Themen in Futur de Luxe. Die Kleins, eine wohlhabende jüdische Arztfamilie, werden eines Freitagabends ganz praktisch vor Fragen gestellt, mit denen sich die Menschheit bisher meist nur höchst theoretisch befassen durfte. Im Haus der Kleins gilt es an jenem Abend zu entscheiden, welchen Lauf die Welt in Zukunft nehmen soll, ob das Gute gut und das Böse böse ist und ob man ganz allgemein ungestraft so tun kann, als wäre etwas nicht wie´s ist. An jenem Abend geht´s bei den Kleins um Leben und Tod.

Im Winter 2002 wurde in Deutschland eine Person verhaftet, die einen Liebhaber auf dessen Wunsch hin gegessen hatte. Das Essen eines Menschen ist in Deutschland zwar nicht verboten, aber Liebe darf trotzdem nur bedingt durch den Magen gehen: Laut § 216 des Strafgesetzbuches wird Tötung auf Verlangen in Deutschland mit sechs Monaten bis fünf Jahren Haft bestraft.
Igor Bauersima's "69" ist ein neues Stück abgründiger Doppelbödigkeit und provokativer Befragung gesellschaftlicher Tabus. Erzählt wird die Annäherung eines auf den ersten Blick unwahrscheinlichen Paares, ein barockes Vexierspiel entlang der Grenzen unserer Freiheit. Entworfen in einer palindromischen Form, das Stück kann in drei Varianten gespielt werden (69 - Das Gute, 69 - Das Schlechte und 69 - Das Gericht), entfaltet sich zwischen einer jungen Frau und einem Mann mittleren Alters eine traumartig verspielte Liebesgeschichte, die in jedem Augenblick zwischen intelligenter Verführung, blankem Entsetzen und Film-Noir oszilliert. (Ankündigung des Düsseldorfer Schauspielhauses)

„Das Kap Hoorn ist gefährlich. Man kann beim Versuch, es zu umsegeln, sein Leben verlieren. Oder man kann immer von diesem Versuch träumen, ohne zu leben.“

Ein Mann mittleren Alters kehrt ins abgeschiedene Paradies seiner Jugend zurück: an jenen Seestrand, an dem er – so erinnert er sich – die vollkommensten Tage seines Lebens verbracht hatte. Hier war er ganz er selbst gewesen, ein freier Mensch. Von hier aus konnte die Welt erobert werden. Heute verspricht er sich, dass ihm der Ort diese ursprüngliche Kraft der Unschuld zurückgeben kann, die Gewissheit und Ruhe, die er seit Jahren vermisst. Hier kann er sein, „wer er ist“. So jedenfalls erklärt er der abweisenden, alten Dame aus guter Familie, warum er sich für ihr heruntergekommenes Strandhaus interessiert. Die vereinsamte Frau, die von ihrem Lebensabend nichts mehr erwarten mag, lässt sich herab und zeigt plötzliches Interesse für den Unbekannten. Das ungleiche Paar scheint dafür gemacht, die Probleme des jeweils anderen zu lösen. Aber hinter der aufblühenden Beziehung der beiden versteckt sich nicht nur die Ahnung einer unwahrscheinlichen Liebe, sondern auch ein tödliches Verhängnis aus Täuschung und Selbstbetrug. (Ankündigung Theater in der Josefstadt)

„Kap Hoorn ist eine Geschichte von der Sehnsucht nach Erfüllung, nach Freiheit, dem Recht auf sein Leben und alles, was dieses Recht umfassen müsste.“ (Igor Bauersima)

Drei alte Freunde. Der Schriftsteller Nils, der PR-Profi Casper und die preisgekrönte Journalistin Olga. In einer Sommernacht geraten die drei Meister des Wortes aneinander. Zu Studienzeiten waren sie unzertrennlich. Schriftlich haben sie festgelegt, sich in 10 Jahren wieder zu treffen. Schnell wird klar, daß jeder schon beim Unterschreiben eine eigene Interpretation ihrer gegenseitigen Versprechungen im Kopf hatte. Die drei versuchen der drohenden Aussprache zu entkommen. Nils emotionaler Zustand schwappt schnell auf seine Freunde über. Er manövriert die Situation ins Ausweglose. Die drei verwickeln sich in ein Ringen auf höchstem rhetorischen Niveau. Sie sind gezwungen, sich der Wahrheit zu stellen, und keiner entpuppt sich als das, was er zu sein meint. Bei Morgengrauen nimmt der Konflikt eine entscheidende Wendung ...

"Es ist möglich, sich auf Kosten geschundener Menschen eine moralische Legitimation zu erkriechen, um mit den Propagandamethoden der alten Schlächter die fette Kohle und einen Rest von Filmglamour reinzuziehen, ohne dass man sich dafür vor einem Gericht verantworten müsste. Und es ist möglich, die Gesetze des Marktes auch für diese Fälle heilig zu sprechen. Es ist möglich, dass wir laut applaudieren, nachdem wir einen langen Abend lang betrogen wurden. Aber dass wir den kleinsten gemeinsamen Hamburger noch Jahrtausende lang hinunterwürgen, ist unwahrscheinlich. Der Motor der Geschichte ist vielleicht, dass uns einer mal so richtig hat stehen lassen. Ganz am Anfang ... Wir verkünden Ideen, obwohl sie gelogen sind, oder wir behaupten, dass unsere Ideen nur im Kontrast zur irregeführten Welt falsch erscheinen, oder wir machen einfach mal wieder was platt. Oder wir beschließen, uns auf die Welt zu verlassen, was selbstverständlich eine vernünftige, wenn auch schwierige Position ist. Oder wir machen irgend ein anderes Theater." (Igor Bauersima)

Eine literarhistorische Kuriosität: zwei französische Dramatiker, Corneille und Racine, schreiben zur Zeit Ludwig XIV. parallel an demselben Stoff: Bérénice. Selbst die Uraufführung beider Stücke findet im Abstand von wenigen Tagen statt. Das Thema ist bei beiden das gleiche: wie sind Vernunft und Leidenschaft in Einklang zu bringen?
Der über sechzigjährige Corneille ist mit seinem Stück nicht erfolgreich, glaubt er doch - noch ganz Rationalist - an die Fähigkeit des Menschen, seine Leidenschaften zugunsten höherer ethischer Vernunft-Prinzipien im Zaum halten zu können. Racine aber ist das Sprachrohr der Generation der Dreißigjährigen: wesentlich skeptischer (und realistischer) schildert er, wie der Mensch zum Spielball seiner Leidenschaften werden kann, und ringt - hierin dann doch klassisch - darum, dass er diesen Kampf nicht verliert, fragt aber auch nach den Kosten des Verzichts.
Wie konnte es dazu kommen, dass beide gleichzeitig das gleiche Stück schrieben? Es gibt Mutmaßungen, dass beide - ohne voneinander zu wissen - von der Herzogin von Orléans beauftragt wurden. Was aber wäre, wenn die Herzogin den knapp fünfzigjährigen Komödianten Molière, ebenfalls ein Zeitgenosse, zeitgleich auch noch mit Aufträgen versehen hätte?
Eine Geschichte um eine Frau und um drei Männer, drei Autoren: einen intelligenten Aufklärer, einen romantischen Tragiker und einen skeptischen Komödianten...
Eine Bérénice de Molière, die allerdings nie geschrieben wurde. (Ankündigung des Burgtheater Wien)

Aus der Sonne ist ein von realen Ereignissen inspiriertes Drama von Igor Bauersima aus dem Jahr 2016. In drei Erzählsträngen werden die Handlungen von sechs Hauptfiguren beschrieben, sowohl parallel als auch durch gelegentlich angedeutete Berührungspunkte.
Die antithetischen Pole von Dissidenz, Eskapismus und Verlust von Privatsphäre sind die zentralen Aspekte des Stückes. Alle drei Geschichten betreffen individuelle Entscheidungen zwischen Mitgefühl, Integrität und Tod.