Off-Shore

Eden Hotel ist eine Erforschung unserer zeitgenössischen Welt, ein Blick auf aktuelle Gegebenheiten. Die Szenenfolge brandmarkt die Anonymität, die in unserer Gesellschaft herrscht, die Austauschbarkeit der Schicksale, die damit einhergehende Verwirrung, die den zwischenmenschlichen Beziehungen zugrunde liegt und die fast völlige Abwesenheit von Zielen und Richtungen.
Seine Form ist die eines Reigens des späten zwanzigsten Jahrhunderts: zersplittert, bruchstückhaft, ein Reigen der "Kurzmeldungen", wie man sie vom Fernsehen kennt oder aus der Zeitung.
Der Spielort selbst ist anonym, ein Ort des flüchtigen Austauschs, der ungewissen Begegnungen: ein Hotel irgendwo in der Nähe eines Flughafens und nicht weit von einer Autobahn. Einer dieser "entmenschlichten" Orte, an denen man sich fragt, welcher Raum dem Einzelnen noch eingeräumt wird, seinen Gefühlen, seinen Ängsten. Ein Ort wie gemacht für Geschwindigkeit, für Kreuzungen, für die Flüchtigkeit der Beziehungen.
Die Hotelgäste entstammen alle einer nicht näher bestimmten Mittelklasse, deren Werte sich in Abwesenheit irgendeines absoluten Wertes verwischt haben. Die zwei Zimmermädchen, die immer wieder auftauchen, bilden den Gegensatz zu ihnen; sie zeigen einen anderen möglichen Weg auf - die Alte durch ihre Sehnsucht nach einem religiösen Eden, die Junge durch die ihre nach einem Eden der Liebe. Beide halten auf ihre Art an einer menschlichen Sicht des zeitgenössischen Mosaiks fest. Damit steht die Vorstellungswelt der Zimmermädchen im Gegensatz zu der der Gäste, die nicht einmal mehr eine Vorstellung von einer solchen Sehnsucht haben, die weniger Individuen als Archetypen unserer heutigen Gesellschaft sind...

Das Stück stellt Figuren vor, die auf Reisen gehen, die sich im Aufbruch befinden, die auf der Flucht sind, die Grenzen überschreiten, die im weitesten Sinne unterwegs sind von einer Wirklichkeit in eine andere.
Es treten auf: ein Fremder, der unter Einfluss von Alkohol ein kapitalistisches Schlaraffenland entwirft, ein Paar in der Krise, ein französischer Berufssoldat, ein junges Mädchen, das versucht sich von seiner Mutter zu lösen, ein Amerikaner, der sich von seinem kleinen Sohn verabschiedet, um zu einer Expedition in das Himalayagebirge aufzubrechen, und ein Rentner, der das Angebot seiner Tochter, ihm einen Platz in einem Altersheim zu besorgen, ablehnt.
Das Kernstück der Szenenfolge bildet das Paar. Ein egozentrischer, neurotischer Schriftsteller und eine junge Frau, die versucht, sich aus der langjährigen Liaison zu lösen. Ein Hotelzimmer wird zur verbalen Arena, in der die Frau gegen die artifizielle Welt und neurotischen Attitüden des - stumm bleibenden - Partners opponiert.
Die Szene thematisiert eine Art Leitmotiv des Stücks: die Agonie des Realen durch die Fiktionalisierung der Gegenwart mittels Phantasien und Projektionen (Männlichkeitsphantasien des Soldaten und der Starkult des jungen Mädchens, das davon träumt eine Karriere als Sängerin zu machen) und durch die Flucht in Ersatzwirklichkeiten (der Fremde flüchtet in den Alkohol, der Schriftsteller in die Fiktion, der Amerikaner in die metaphysische Weite des Himalaya).
Im Schlussmonolog der Frau tauchen alle Figuren noch einmal schemenhaft auf, als Freunde oder flüchtige Bekannte, mit deren Lebensskizzen sie ihren Freund belieferte, der mit diesem "Material" seine Geschichten konstruierte.

"Irgendwo zu einer Zeit wie der heutigen, zwischen einem Flughafen und dem Meer, lebt eine Gruppe Menschen. Sie sind Außenseiter einer Gesellschaft, die sie einmal mit bestimmt haben: ein Ingenieur, ein Forscher, ein Museumswächter, eine Musikerin und ein begehrenswerter junger Mann. Sie führen ein seltsames Leben dort, wo ihnen der immer mehr sich vergrößernde Flughafen auf den Leib rückt und das Meer sie nicht will. Als Ausgegrenzte leben sie, ohne das Obdach einer zumindest dem Gesetz nach schützenden Gesellschaft. So sind sie sich selbst die Gesellschaft, sehnen sich nacheinander und fliehen voreinander, lieben, misstrauen, hassen sich und bringen einander um, während unaufhaltsam der Teerstreifen einer neuen Landebahn auf sie zurollt und über ihren Köpfen die Flugzeuge ihr Kerosin ablassen - eine fortwährende Taufe mit den Ausscheidungen einer längst von allem Menschlichen abgelösten Technik. "Kérosène/Kerosin" heißt das neue Theaterstück des französischen Dramatikers Philippe Braz ... ein Werk..., das in bestechend poetischer Sprache ein Szenario von der Selbstauslöschung einer überflüssig gewordenen Menschheit entwirft." (Süddeutsche Zeitung anlässlich der szenischen Lesung im Rahmen des Festivals Phèdre/Faust des Institut Français München)

Ein Büro. Fenimore und Barnabooth, zwei alteingesessene Beamte, überlegen, wie sie sich des Kadavers ihres Chefs entledigen könnten, den sie gerade umgebracht haben. Marylin, die Sekretärin, schläft, aus dem Radio ertönt der Gesang der Wale. Mit sehr viel Poesie rollen die zwei Männer die Erinnerungen an ihre pflichtbewusste, ereignislose Existenz auf, wobei sie bei der Beschreibung ihrer Tätigkeiten gerne in die Tierwelt abdriften. Marylin, die von morgens bis abends den Gesang der Wale anhört und in ihren Träumen auch selbst Flossen hat, wacht auf. Der Mord an ihrem Chef erfüllt sie mit etwas Bitterkeit, eingedenk der Tatsache, dass er ein Mann gewesen ist und es doch so viele alleinstehende Frauen gibt. Mit dem Gedanken, ihn zu verspeisen, kann sie sich nicht gleich abfinden, doch als ihr klar wird, "dass es keinen Sinn hat, von Heiligkeit zu träumen, wie [sie] es jahrelang getan hat, außer wenn der Traum den Träumer zum Heiligen macht ...", geht sie mit ihren Kollegen zu Tisch.

Philippe Braz treibt die nach langen Jahren der langweiligen Büroarbeit abgestumpften Figuren in Die Nacht der Wale bis an die Grenze der Tierwelt, die sich ihrerseits durch das ganze Stück hindurch poetisch in die Sprache der Beamten einschleicht.