Andreas Marber

Eine kleine Wanderbühnentruppe, verstärkt durch eine Opernsängerin und ein Akkordeonorchester, erzählt die Geschichte vom Holländer, der zum ewigen Leben verflucht ist und auf einem fliegenden Schiff die Meere bereist. Der Untote kann nur durch die Treue einer Frau von diesem Fluch erlöst werden - aussichtslose Sache.

Es beginnt alles mit einem kleinen Wunder. Mitten in Dhaka, Hauptstadt von Bangladesch, im 'Deutschen Klub' trifft Peter Vischer, gescheiterte Existenz ohne jede Perspektive, auf Rudolf Klaase, einen alten Freund seines Vaters, und erhält unerwartet eine Chance für einen beruflichen Wiedereinstieg. Klaase will ihn als Geschäftsführer für seine in Hamburg ansässige Firma einstellen .... Grund für Klaases Entscheidung ist sein 'Bauch-Gefühl', das ihm sagt, dass dieser junge Mann noch etwas vor sich hat – und mit seinem Bauch ist der erfolgreiche Geschäftsmann sein Leben lang gut gefahren. ...
Was sich dann allerdings innerhalb der nächsten Wochen in Hamburg in den Geschäftsräumen der Firma 'Powerclothing' abspielt, lässt uns als Beobachter hilflos zuschauen, wie radikal ein solcher Wiedereinstieg misslingen kann. Vischer, voller Elan und ungeheurer Hoffnung auf Gelingen und Glück, missdeutet bis zuletzt die Worte und Gesten seines Chefs und seiner untergebenen Mitarbeiterinnen und erkennt endlich als Letzter, wie er wieder einmal voll gegen die Wand fährt. Und diesmal gibt es kein Zurück mehr: Vischer greift zur letzten Möglichkeit, sorgfältig und mit der Kraft des Verzweifelten nimmt er einen radikalen Plan in Angriff.

Während wir einem Gescheiterten beim Scheitern zuschauen, wirft der Autor Andreas Marber ganz nebenbei einen Blick auf ein Wirtschafts-System, das solche Opfer leicht verschmerzt. Schließlich ist jeder ersetzbar. Und der Blick ist nach vorn gerichtet, niemals zurück. (Ankündigung des Thalia Theaters Hamburg)

Der Autor hat dem Schauspieler eine Titelrolle auf den Leib geschrieben: Ein Stück Scheiße im Stück Ein Stück Scheiße. "Das ist wie Hamlet in Hamlet", versuchen die Theaterbehörden dem Darsteller einzureden. Der Schauspieler hat zwei Kinder, aber keinen Festvertrag – er spielt. Die Regisseurin ist vom Wunsch erfüllt, sich mit Bedeutendem zu beschäftigen, steht aber ganz am Anfang ihrer Karriere – sie inszeniert. Der Autor, großkotzig und frustriert, weidet sich schamlos am Unglück seiner Opfer. Grausam, brutal und komisch: Die Lügen der Papageien ist die Tragödie der Angestellten in künstlerischen Berufen.

Ortsnamen, nebensächliche Details und die Namen der handelnden Personen werden für die Aufführung geändert und den Gegebenheiten angepasst. Das Stück ist 1994 geschrieben und wurde in Chennai (Madras), Corcaigh (Cork) und Sibiu (Herrmannstadt) aufgeführt, aber nie in Stuttgart (Stuttgart).

"Der Prinz hat ihm das Herz zerbrochen"
- die brüllend komische Tragödie des Falstaff

Wir kennen den dicken Ritter Falstaff als Witzfigur aus Oper, Operette und Komödie: dem Wein verfallen, und der Damenwelt, Held unehrenhafter Abenteuer mit unglücklichem Ausgang. Der Falstaff aber, dessen Geschichte Shakespeare in seine Dramen über Heinrich IV. und Heinrich V. hineingewoben hat, ist dagegen ein veritables Ungeheuer. Versoffen, korrupt, verlogen, feige: das jämmerliche Zerrbild der menschlichen Existenz. Umso verblüffender sein Umgang: der junge Prinz Heinrich, Thronfolger des von Bürgerkriegen geplagten Englands. Das ungleiche Paar zankt und versöhnt sich, sie verfluchen sich und erwachen doch am Morgen in einem Bett. Der König zwingt den Prinzen in den Krieg, wo der junge Mann sich tatsächlich bewährt – um doch, nach Kriegsende, wieder sein altes Leben mit Falstaff aufzunehmen. Auch Falstaff kann dem Krieg nicht ganz entkommen, und wenn es schon nicht anders geht, so schlägt er wenigstens noch Geld heraus. Der König stirbt, Falstaff sieht sich als Protegé des neuen Königs, er hält sein Glück für gemacht – doch der schickt ihn zum Teufel: Er kennt ihn nicht. Und Falstaff stirbt, weil ihm "der Prinz das Herz zerbrochen hat". Das rührende Ende einer skandalösen und rätselhaften Freundschaft.

Es ist eine Komödie, und es ist eine Farce: Falstaffs Charakter und sein Leibesumfang sind gewaltig, sein Witz und seine Selbstverliebtheit gnadenlos. Nur dem eigenen Vorteil verpflichtet, legt er ethische Grundsätze in Trümmer. Was verbindet die beiden? Warum verfällt der Mann, auf den ein Königreich wartet, dem Charme des Bösen? Die ungleichen Freunde wissen es selbst nicht: "Was ist es, was mich derart an ihm anzieht", fragt sich Falstaff, als er sich vom Prinzen verraten sieht – während der Prinz die schlechte Laune, die ihn wegen der Abwesenheit Falstaffs überfällt, mit grausamen Spielen und zynischen Sprüchen zu vertreiben sucht. Und da kippt es um und wird tragisch: Falstaff, der nur halb gescheite, aber ganz von seiner eigenen Genialität überzeugte Denker, versucht den Prinzen zu benutzen, um gesellschaftlich aufzusteigen – und dabei entgeht ihm, dass es vielmehr der Prinz ist, der ihn benutzt: zur Bereicherung seines mittelmäßigen Verstands und zur Erziehung seiner unterentwickelten Gefühle.

Das Lustspiel Falstaff kommt mit sechs Darstellern aus. Falstaff schlüpft in die Rolle Heinrichs IV. - zuerst im Spiel, wenn er mit dem Prinzen die Strafpredigt einübt, die den missratenen Sohn im Palast erwartet, dann im Ernst, wenn er als König Krieg führt und schließlich den Thronfolger verfluchend stirbt und so den eigenen traurigen Tod vorwegnimmt. Die anderen spielen alle anderen Rollen, die das Drama Falstaff bis zum Untergang des Helden braucht: Beamte, Soldaten, Rebellen, Musiker und Prostituierte – die ganze mittelalterliche Welt, die Shakespeare nutzt, um ein überzeitlich widerliches, liebenswertes Scheusal zu zeichnen, einen abstoßenden, hinreißenden, sinnlichen, unersättlichen Anti-Menschen, über dessen elenden Tod am Ende doch, ganz unvermutet, Trauer einkehrt.

Jedes Jahr an seinem Todestag gedenkt sie mit einer Flasche Sekt des Verlusts ihrer großen Liebe: Ihr Mann war Kapitän auf einem Kreuzfahrtschiff, auf allen sieben Weltmeeren unterwegs – und selten bei ihr. Doch dann hat sie ihn an das Meer verloren. An seinem Geburtstag, ausgerechnet. Sie, die zurückgelassene Seemannsbraut, träumt sich nun Jahr für Jahr zurück in dieses Leben. Sie erzählt von rauschhaften Kapitänsdinners, von liebestollen Kreuzfahrtpassagierinnen, von stolzen Seebären und zurückgelassenen Landratten, von zarten Händen und prächtigen Uniformen.
In ihrer Phantasie auf dem Deck eines Luxusdampfers, in der Realität verloren an einer Flasche Sekt, verliert die Braut zunehmend den festen Boden unter ihren Füßen. Hat das Meer wirklich ihren Mann umschlungen? Oder ist diese wilde Fahrt übers Meer, diese lustvolle Kreuzfahrt voller deftiger Seemannslieder nur leidenschaftlich gesponnenes Seemannsgarn? (Ankündigung des Staatstheaters Mainz)

Es war ein sensationeller literarischer Fund, als 2005 – nach fast 50 Jahren – auf einem Speicher in New Jersey das Manuskript eines Stückes von Jack Kerouac mit dem Titel Beat Generation entdeckt wurde. Kerouac hat sein dreiaktiges Stück im Jahr 1957 geschrieben, in demselben Jahr, in dem sein Roman On the Road erschien und ihn schlagartig zum Zentrum dieser literarischen Bewegung, zum „King of the Beats“ machte.
„Was ich möchte“, schreibt Kerouac in einer Zeit, da Tennessee Williams und Arthur Miller stilbildende Maßstäbe für die amerikanische Bühne setzten, „ist eine Erneuerung des amerikanischen Theaters und Films. Ich möchte ihnen einen Schuss Spontaneität geben, vorgefasste Meinungen auflösen. Das Stück hat keinen eigentlichen Plot, keine eigentliche ‚Bedeutung’. Es ist eigentlich die Art und Weise selbst, wie Leute sind. Alles was ich schreibe, schreibe ich im Bewusstsein, dass ich mich mir selbst als einen auf die Welt zurückgekehrten Engel vorstelle, der mit traurigen Augen sieht, wie sie ist.“
Beat Generation beginnt an einem frühen Morgen in New York. In einer einfachen Wohnung sitzen ehrenwerte Arbeiter, Wanderarbeiter, Bremser bei der Eisenbahn, die ihren freien Tag mit Pferdewetten verbringen. Eine Flasche Rotwein kreist. Es wird getrunken, geträumt und geredet. Eins ergibt das andere, Worte und Ideen prallen aufeinander. Alles ist beat: müde, herunter gekommen, euphorisch.
Beat Generation ist ein Stück über das Reden und die Freundschaft und die Frage, wie und warum wir existieren. Frei, ungebunden und flirrend wie eine Jazz-Improvisation von Charlie Parker, seinem Gott, hat Kerouac die Dialoge in Rhythmus und Inhalt komponiert, ein jazziges Musical aus Worten, die Tempo aufnehmen, gegenüber gestellt und variiert werden und sich selbst gegenseitig vorwärts treiben. (Ankündigung Schauspiel Köln)

Ein Apartment am Ende einer Küstenstraße. Mit Meerblick, doch die Fenster sind verhängt. Soeben eingezogen, vielleicht lebenslänglich, vielleicht nur für ein Wochenende: Gito Spaiano und Morris Wine.

Ein „Mann von Welt“. Und „Wine“ wie: „Wein“. Nicht wie: „Weinen“. Und wie: „immer auf der Suche nach dem Regenbogen“. Die beiden Männer in den letzten Atemzügen stecken irgendwie fest. In ihrer Freundschaft, ihrem Leben. Wollen es sich zum letzten Mal gut gehen lassen. Also bestellen sie sich Frauen – Prostituierte, Showgirls – in ihr verdunkeltes Schlafzimmer. Sie warten. Philosophieren. Gito will Sex, Morris Gefühl, hetzt der Liebe hinterher, die immer wieder vor ihm wegrennt. Aber: „Wenn Schwarz die Abwesenheit von Licht ist, dann ist die Liebe zumindest ein Türspalt.“

Der legendäre Filmemacher John Cassavetes schrieb Begin the Beguine, eine nach dem Cole Porter-Evergreen benannte, tiefschwarz funkelnde Allegorie über Liebe und Tod, Eros und Thanatos, kurz vor seinem Ableben für Peter Falk und Ben Gazzara. Das Projekt kam über die Vorbereitungsphase nie hinaus. (Burgtheater Wien)

"Alles, was größer ist als ihr selbst seid, hasst ihr.
Euch zu vertrauen heißt:
Mit Blei-Gewichten an den Flossen schwimmen.
Hängt euch auf."

Er verhöhnt das Volk und wird von ihm gehasst: Cajus Marcius, einer der tapfersten Krieger Roms, macht keinen Hehl aus seiner Verachtung für demokratische Prozeduren und Bürgerbegehren. Im frühen Rom zur Zeit der Entstehung der Republik herrscht Hungersnot, der Kampf zwischen Armen und Reichen tobt, eine Stimmung von Rebellion liegt in der Luft. Der Volkszorn richtet sich gegen Marcius, doch die aufkeimende Revolte wird erstickt durch eine Invasion der Volsker, angeführt von seinem Todfeind Aufidius. Marcius zieht in die Schlacht, kehrt als gefeierter Kriegsheld zurück und wird nun Coriolanus genannt, hat er doch im Alleingang die Stadt Corioli eingenommen...

William Shakespeares Tragödie ist nicht nur eine Parabel auf Machtgewinn und Machterhalt, es geht auch um das komplexe Verhältnis zwischen Herrscher und Beherrschten; es geht um ritualisierte Demutsakte von Seiten der Politik, und darum, was geschieht, wenn sich beide Parteien Vereinbarungen entziehen. In diesem Stück kämpft jeder für seine Sache: die Bürger, die Politiker und selbst die Mütter, die ihre Söhne lieber auf dem Schlachtfeld sterben sehen, als ihre Stadt untergehen. (Ankündigung Deutsches Theater)

Die berühmte Geschichte vom Struwwelpeter von Dr. Heinrich Hoffmann, Glanzstück sogenannter "schwarzer Pädagogik", neu bearbeitet, auf die Spitze getrieben (im deutschen Original gibt es immerhin Überlebende), mit Musik versehen und wieder ins Deutsche übertragen.
Eine "brutalst mögliche Aufklärungsoper mit lebenden Bildern und unerschrockenen Frisuren". Aufklärung, so der Übersetzer, weil im Hintergrund doch jene Bereiche des menschlichen Bewusstseins agieren, die jenseits der Vernunft liegen und darum abgelehnt und gleichzeitig gehätschelt werden. Gegengewicht zur Aufklärung, weil es die Grusel- und Schauerliteratur ist, mit der Struwwelpeter seinen triumphalen Einzug in die deutsche Kindererziehung hielt.