Thornton Wilder

Ein junges Paar lernt eine geheimnisvolle, reiche Tante kennen, die verspricht, alles für sie zu tun. Diese Studie zur Todsünde des Zorns stellt Wahrhaftigkeit gegen Etikette und Verlobten gegen Verlobte.
1956 schrieb Wilder eine Serie von Einaktern und begann damit ein ambitioniertes Projekt: in zwei Zyklen von jeweils sieben Stücken sollten die sieben Todsünden (The Seven Deadly Sins) und die sieben Lebensalter des Menschen (The Seven Ages of Man) dargestellt werden.
Beendet hat der mehrfache Pulitzer-Preisträger zu Lebzeiten jedoch nur sechs der geplanten vierzehn Stücke.
Vier der im Wilder Archiv der Yale University entdeckten Einakter sind in der Sammlung Wilder Rediscovered zusammengefasst und wurden anlässlich des Classics in Context Festivals vom Actors Theatre of Louisville 1997 uraufgeführt.

"Neunzig Jahre werden in diesem Stück durchmessen, das in immer rascherer Folge neunzig Weihnachtsmahle in der Familie Bayard darstellt."
Mit dieser die klassische Einheit von Zeit, Ort und Handlung negierenden Szenenanmerkung kündigt Wilder das Thema seines ersten Einakters an: das Erlebnis der Dauer, der Unvergänglichkeit im steten Fluss der Zeit. Die Bühne wird zum exemplarischen Spielort, den auf der linken Seite ein das Leben, auf der rechten ein den Tod symbolisierendes Portal flankiert.
Drei Generationen werden nacheinander im Kinderwagen auf die Bühne geschoben, wachsen heran, nehmen eine Zeitlang am Weihnachtsmahl teil und verlassen dann die Bühne durch das rechte Portal. Einzige Konstante im Zeitenwandel sind - außer dem Bühnenbild - die Gespräche derer, die an der Tafel Platz genommen haben. In ihnen artikuliert sich jenes Allgemeinmenschliche, dessen Zeitlosigkeit Wilder immer wieder in seinen Stücken sinnfällig macht. Freude und Sorge, Liebe und Leid, Geburt und Tod gehören stets von neuem zu den Gesprächsthemen der Familienmitglieder, und selbst deren Worte und Gesten wiederholen sich von Generation zu Generation. (Kindlers Neues Literatur Lexikon)

Von einem Gesichtspunkt aus erzählt mein Stück das Leben einer Frau - irgendeiner Frau - von der verwirrten Braut über die geprüfte Frau zum mühsamen Alter. Wenn ich nun die Handlung aus Thessalien nach dem mittelalterlichen Island oder dem alten Indien verlegen sollte, müsste ich viele Veränderungen vornehmen, doch an der Rolle des Alkestis würde sich nicht viel ändern.
Von einem anderen Gesichtspunkt aus ist es eine sehr romantische Geschichte von Göttern und Menschen, von Tod und Hölle und Wiedererwachen, von großer Liebe und großer Prüfung, von Usurpation und gerechter Rache.
Auf nochmals einer anderen Ebene aber ist es eine große Komödie über eine sehr ernste Sache ... über die äußerst große Schwierigkeit eines Dialoges zwischen Himmel und Erde. (Thornton Wilder)

Die Heiratsvermittlerin ist eine nur sehr gering abgeänderte Fassung von The Merchant of York, das ich ein Jahr später als Unsere kleine Stadt schrieb. Eine der Möglichkeiten des im neunzehnten Jahrhundert üblichen Unsinn der Inszenierung abzuschütteln, ist die, sich über ihn lustig zu machen. Diese Posse parodiert die Repertoirestücke der Schauspieltruppen, die ich als Junge im Ye Liberty Theatre in Oakland , Kalifornien, sah. Ich habe bereits deutsche Seminararbeiten gelesen, die es mit dem großen österreichischen Original, worauf es sich gründet, vergleichen. Diese angehenden Literarhistoriker sind sehr verdutzt. Da findet sich in meinem Stück das meiste der Intrige; da finden sich einige witzige Sentenzen; aber es handelt von ganz anderen Dingen. Nestroys wundervolle und bitter lachende Stücke - wie die meisten von Molière und Goldoni - handeln von dem Unheil, das Menschen in ihrem eigenen und im Leben anderer durch die verschrobenen Illusionen, die sie hegen, anrichten. Mein Stück handelt von dem Streben der Jungen (und nicht nur der Jungen) nach einem größeren, freieren Teilhaben am Leben. Man stelle sich einen österreichischen Apotheker vor, der ans Regal tritt, um aus einer Flasche abzufüllen, welche, wie er weiß, eine ätzende und scharfe Flüssigkeit enthält, die garantiert Warzen und "Wimmerln" entfernt, und man stelle sich seine Überraschung vor, wenn er entdeckt, dass die Flasche über Nacht mit sehr amerikanischem Birkenrindenbier gefüllt worden ist. (Thornton Wilder)

Zwei Einakter von Thornton Wilder:
In den Windeln und Kindheit (siehe unter den Titeln)

Für das Theater fand der Dichter früh eine besondere künstlerische Form, die seiner Leidenschaft für gedrängte Kürze entgegenkam: die Dreiminutenspiele für drei Personen
Man braucht sich nur einige der Titel in Erinnerung zu rufen, um zu wissen, was der Dichter will: Unsere Hoffnungen und unsere Träume beispielhaft sichtbar machen.
Diese Einakter Thornton Wilders sind Zeugnisse seiner einzigartigen Begabung, im knappen Dialog , nur unterstützt von wenigen phantasievollen Regieanweisungen, Zauber und Geheimnis der ewigen Wechselspiele des Schicksals aufleuchten zu lassen. Jeder dieser Einakter hat seine Bühnenwirksamkeit erwiesen und jeder ist ein vollkommenes Kunstwerk für sich.
Nascuntar Poetae... / Proserpina und der Teufel / Bruder Feuer / Der Preis, den die Schönheit zahlt / Der Engel auf dem Schiff / Zenatauren / Leviathan / Und das Meer wird seine Toten herausgeben / Und der Knecht hieß Malchus / Mozart und der graue Bote / Hast du nicht achtgehabt auf meinen Knecht Hiob / Die Flucht aus Ägypten/ Der Engel, der das Wasser bewegte

Das Thema dieses Einakters ist der Neid als eine der sieben Todsünden. Eine reiche Frau und ihre Bedienstete erwarten den Besuch eines betrügerischen Mutter/Tochter-Duos, dessen Spezialität es ist, Witwen von Kriegsveteranen auszunehmen. Die Bitterkeit des Alters trifft auf die Eifersucht und Frustration der Jugend in dieser überraschenden und spannenden Geschichte.
1956 schrieb Wilder eine Serie von Einaktern und begann damit ein ambitioniertes Projekt: in zwei Zyklen von jeweils sieben Stücken sollten die sieben Todsünden (The Seven Deadly Sins) und die sieben Lebensalter des Menschen (The Seven Ages of Man) dargestellt werden.
Beendet hat der mehrfache Pulitzer-Preisträger zu Lebzeiten jedoch nur sechs der geplanten vierzehn Stücke.
Vier der erst kürzlich im Wilder Archiv der Yale University entdeckten Einakter sind in der Sammlung Wilder Rediscovered zusammengefasst und wurden anlässlich des Classics in Context Festivals vom Actors Theatre of Louisville 1997 uraufgeführt.

Im Central Park, New York, nimmt eine kleine tiefgründige Farce ihren Lauf: Das Kindermädchen Millie vertieft sich in eine romantische Erzählung und hofft inständig, auch ihr Leben hielte einmal Liebe bereit. Vielleicht sogar durch den Wachtmeister mit den unbeholfenen poetischen Tendenzen, doch seine deutlichen Annäherungsversuche vermasselt das Baby Tony, das bei allem ein Wörtchen mitzureden hat. Sein Problem ist nur: Die Sätze lassen sich im Kopf formen, aussprechen kann er sie aber noch nicht. Das Baby Tony verzweifelt schier an der Unterforderung, zwar alles wahrnehmen, aber zu nichts Stellung beziehen zu können. Die Babysprache, derer sich Erwachsener im Umgang mit ihm bedienen, beleidigt ihn zutiefst.
Das Baby Moe ist da besser dran, denn seine Mutter hat entdeckt, dass Baby Moe sich am schnellsten beruhigt, wenn man ihm das ABC, das Einmaleins, Straßennamen oder ähnliches vorsagt. Aber auch Moe denkt, dass die Erwachsenen mit ihrem ständigen "mein kleiner Dummer" etc. über ihn lachen. Seine Mutter hält das Zusammenleben mit einem Baby eh für Krieg. Als das Kindermädchen Millie auch noch lautstark eine Hasstirade auf Babies und darauf, wieviel Raum sie beanspruchen, hält, beschließt Moe dorthin zu gehen, wo "die Leute auf einen treten" - also ins Grab. Aber auch das Sterben hat ein Baby nicht selbst in der Hand. Tony bemüht sich darum, Moe wiederaufzubauen: Irgendwann werden sie schon erwachsen werden.
Der Wachtmeister fasst das Dilemma schließlich zusammen: Babies benehmen sich wie Erwachsene und Erwachsene wie Babies. Das große Missverständnis zwischen ihnen ist jedenfalls nicht zu klären. Die Aufgabe kann nur sein, es möglichst unbeschadet zu überstehen.

Eine witzige Persiflage auf Gullivers Reisen ist Jugend, das sowohl die süße Naivität als auch die erschreckende Unmenschlichkeit der Jugend einfängt. Ein Schiffskapitän in den besten Jahren wird auf einer bizarren Insel an Land gespült, auf der niemand über dreißig weiterleben darf. Hier finden sich einige von Wilders klarsten soziopolitischen Aussagen über den Wert des Gemeinwohls und den Dank, den die Jugend dem Alter schuldet.
1956 schrieb Wilder eine Serie von Einaktern und begann damit ein ambitioniertes Projekt: in zwei Zyklen von jeweils sieben Stücken sollten die sieben Todsünden (The Seven Deadly Sins) und die sieben Lebensalter des Menschen (The Seven Ages of Man) dargestellt werden.
Beendet hat der mehrfache Pulitzer-Preisträger zu Lebzeiten jedoch nur sechs der geplanten vierzehn Stücke.
Vier der erst kürzlich im Wilder Archiv der Yale University entdeckten Einakter sind in der Sammlung Wilder Rediscovered zusammengefasst und wurden anlässlich des Classics in Context Festivals vom Actors Theatre of Louisville 1997 uraufgeführt.

Was wäre es reizvoll, einmal die Phantasiespiele der eigenen Kinder mitzuerleben, einzutauchen in ihre Welt aus glücklichen Träumen und grausamen Alpträumen - eine Welt, die den Eltern verschlossen bleibt und deshalb ihr Misstrauen weckt. Die Eltern von Caroline, Dodie und Billie im Alter von zwölf, zehn und acht Jahren, hegen diesen Wunsch, besonders weil sie ahnen, dass die Phantasien ihrer Kinder nicht gerade unschuldig sind. Und in der Tat: Mit Vorliebe spielen die drei Kinder "Krankenhaus", "Beerdigung" oder "Hausbrand", Spiele, bei denen ihre Eltern stets ums Leben kommen und die Kinder in der Folge als Waisen durch's Leben gehen müssen. Die Eltern erschrecken vor dieser Unerbittlichkeit, gestehen sich aber ein, selbst manchmal den Traum von der einsamen Insel, auf die die Kinder nicht folgen können, zu träumen.
Der Wunsch wird Wirklichkeit: Gemeinsam durchleben Eltern und Kinder eines dieser Spiele: Der Vater wird zum Busschaffner umfunktioniert, die Mutter zur besten aller Lehrerinnen. Auf der Reise malt der Vater alle Schreckensbilder an die Wand, die die Kinder sonst mit genüsslichem Schauder selbst erfinden: Hunger, Krankheit, wilde Tiere, Unfälle. Nach und nach gelingt es beiden Parteien, sich anzunähern. Im Spiel können sie sich Wahrheiten sagen, die sonst ungehört bleiben. Und sie merken, dass sie zusammengehören.

Im Jahre 1869 begibt sich ein Advokat in New Orleans auf die Suche nach den legitimen Nachfahren des verschollenen französischen Thronfolgers. Und er ist ausgesprochen erfolgreich bei seiner Suche. Aktuell kann er gleich vier Königinnen von Frankreich anbieten. Neu auf seiner Liste ist Mlle Cressaux, der er eröffnet, dass sie und ihre Kinder als einzige Nachkommen des Thronfolgers in Betracht kämen und die Augen der ganzen Welt auf sie gerichtet sein würden - sobald der Advokat das eine kleine Dokument, das noch fehlt, gefunden hat. Mlle Cressaux, Tochter eines armen Matrosen, ist nicht nur bass erstaunt, sondern auch kokett-erschrocken ob dieser Neuigkeit. Aber schließlich willigt sie ein, die Honoratioren zu empfangen Nur den Abgesandten der Kirche möchte sie nicht sehen, erfolgreiche Kurtisane, die sie ist.
In welch harte Konkurrenz sie sich durch die einträglichen Machenschaften des Advokaten begibt, ahnt Mlle Cressaux allerdings nicht. Auch die resolute Mme Peugeot erhebt den Anspruch auf den französischen Thron. Der Advokat hat für sie fast alle nötigen Beweise besorgt, rät ihr aber dazu, mit der Bekanntgabe ihrer wirklichen Identität noch zu warten. Statt dessen bittet er sie um Geld, angeblich, damit das Taufkleid des Königshauses erhalten werden kann.
Mlle Pointevin wiederum zieht sich schließlich aus dem Luftschloss zurück. Lieber möchte sie weiterhin Lehrerin sein, statt noch länger darauf zu warten, als "Henriette, Königin von Frankreich", anerkannt zu werden.
Als Vierte begrüßt der Advokat eine uralte Dame mit "Königliche Hoheit". Ist sie auch nur ein Opfer seiner Erfindungsgabe? Oder hat sie als einzige tatsächlich 'blaues Blut' und ist seine Komplizin?

Ein heiteres Lehrstück für die Ungleichzeitigkeit der Liebe: Die alternde Soubrette Rowena und ihre Nichte Linda, eine junge Tänzerin, warten auf den Beginn der Probe. Womöglich wurde sie abgesagt, aber weil man es nicht genau weiß und weil es der erste Probentag im Neuengagement ist, harren die beiden Frauen auf der leeren Bühne aus. Zusammen mit dem Komiker Joey richten sie sich kurzerhand häuslich ein, braten Heringe und beratschlagen, wie Linda den in sie verliebten Studenten loswerden kann. Arthur, eben dieser Student, ist fanatisch in seiner Liebe zu Linda, und sie fühlt sich von ihm bedroht - wohl nicht ganz zu Unrecht, denn Arthur hat geäußert, man müsse ihre "seelenlose Schönheit" erschießen. Joey nimmt ihre Angst ernst, zu oft hat er schon in der Zeitung von Liebesgeschichten gelesen, die tödlich enden, weil einer der Partner endlich einmal beachtet werden möchte. Er verknüpft den Bericht darüber mit den Erinnerungen an seine verstorbene Frau, die er selbst lange Zeit nicht beachtet hat und die sich darob tief gegrämt hat.
Arthur kommt - und tatsächlich ist er bewaffnet. Aber nicht Linda wollte er erschießen, sondern sich selbst - vor ihren Augen, um ihr das ganze Ausmaß ihrer Zurückweisung vorzuführen. Er lässt es, nachdem er Joeys Geschichte gehört hat, und geht. Der Kreis schließt sich: Linda, die Arthur mit herablassender Arroganz behandelt hat, offenbart, dass sie in einen Mann verliebt ist, der wiederum sie nicht beachtet...

Thornton Wilder, der Meister des epischen Theaters Nordamerikas und Erschaffer eines modernen christlichen Welttheaters, zeichnet in nur einem Akt das Bild des menschlichen Daseins, dessen zwei Zentrifugalkräfte nicht mehr und nicht weniger sind als: Leben und Sterben. Der Zwischenraum muss gefüllt werden, aber leicht ist das für den Menschen nicht.
Ein Spielleiter markiert einen Schlafwagen und teilt den Schauspielern die Rollen zu: einer ist der Schaffner, ein anderer ein Geschäftsmann, zwei spielen ein Ehepaar, eine ist die Geistesgestörte. Dort, wo jemand fehlt, springt der Spielleiter selbst ein. Die Gedanken und Gespräche der Figuren werden laut. Eine kleine Sinfonie menschlicher Befindlichkeiten entsteht, bis sich der Fokus schließlich auf die Ehefrau richtet. Sie ist es, die in dieser Nacht im Schlafwagen einem Herzversagen erliegt.
Ein Oratorium hebt an: Der Spielleiter beginnt im Detail - ein Feld, ein Landstreicher, das Städtchen Parkersburg/ Ohio, ein Weichensteller -, um die Kreise immer größer zu ziehen. Die Schauspieler verkörpern die Stunden und Planeten und als solche Philosophen wie Plato oder Epiktet. Ihre Stimmen formt der Spielleiter zu einem Konzert: dem Klang der Erde. Und in diesem Klang erscheinen die Erzengel, um Harriet, die Gestorbene, zu begleiten. Sie ist noch nicht bereit, fühlt sich schuldig, weil sie nichts geleistet hat. Sie glaubt nicht an Vergebung. Die Erzengel nehmen sie dennoch mit gen Himmel, und das Spiel kehrt zur Realität zurück: Der Schlafwagen Pegasus hat sein Ziel erreicht, das Leben geht weiter.

In der Kleinen Stadt, in Grovers Corner, zieht das Thema Jugend-Alter-Tod vorüber, von einem Spielleiter kommentiert, der, wie schon in einem früheren Einakter Schlafwagen Pegasus, von dem er übernommen wurde, von Zeit zu Zeit in das Geschehen eingreift. Was dieses Stück so bedeutend macht, ist nicht nur das ungewöhnlich szenische Arrangement - es wird ohne Dekorationen im Stil des japanischen Stehgreiftheaters gespielt -, sondern die Fähigkeit Wilders, in jedem Augenblick ein Gefühl großer Distanz und großer Nähe zu den Menschen und zu den Dingen, die sie bewegen, zu erzeugen. Sein Respekt für das kleine, tägliche Dasein, für seine Mühsal, aber auch für seinen stillen, unauffälligen zivilen Heroismus wird in den Geschichten der beiden Familien Gibbs und Webb offenbar, vor allem aber in der berühmten Friedhofsszene, in der die Toten auf ihren Stühlen, die ihre Gräber darstellen, sich über die Lebenden unterhalten und Emily, die soeben angekommen ist, noch einmal einen Augenblick lang auf die Erde zurückkehrt, um sich davon zu überzeugen, wie schwer es ist, ein Mensch zu sein. (Hans Sahl)

Ein Ausflug zu einem alten zeremoniellen Lagerplatz deckt auf, was in der Geschichte einer amerikanischen Familie immer wieder weitergegeben wurde. Indem sie die Impulsivität der Jugend mit den Reflektionen der Eltern kontrastiert, zeigt diese Sommernachtsgeschichte das fortwährende Bemühen der Generationen um gegenseitiges Verständnis.
1956 schrieb Wilder eine Serie von Einaktern und begann damit ein ambitioniertes Projekt: in zwei Zyklen von jeweils sieben Stücken sollten die sieben Todsünden (The Seven Deadly Sins) und die sieben Lebensalter des Menschen (The Seven Ages of Man) dargestellt werden.
Beendet hat der mehrfache Pulitzer-Preisträger zu Lebzeiten jedoch nur sechs der geplanten vierzehn Stücke.
Vier der erst kürzlich im Wilder Archiv der Yale University entdeckten Einakter sind in der Sammlung Wilder Rediscovered zusammengefasst und wurden anlässlich des Classics in Context Festivals vom Actors Theatre of Louisville 1997 uraufgeführt.

Mit seinem Stück Wir sind noch einmal davongekommen hat Thornton Wilder ein modernes Welttheater geschaffen. Es gehört zu den großen dramatischen Werken dieses Jahrhunderts.
"Sein Thema - die Darstellung der geistigen und vitalen Kräfte, die dem Menschen nach allen Katastrophen wieder den Mut zum Leben geben - hat nichts von seiner Aktualität verloren, seit das Stück sich nach dem letzten Weltkrieg die Bühnen der Welt eroberte. Wilders Held, Mr. George Antrobus, ist zum Sinnbild des Mannes geworden, der trotz aller inneren und äußeren Gefahren und Versuchungen nie den Glauben an die Menschheit verliert. Dasselbe gilt für Mrs. Antrobus, die zum Idealbild der sorgenden Mutter wurde. Auch in Henry, dem sich stets gegen die Ordnung der Welt empörenden Kains-Typ, und in Sabina, der Verkörperung aller weiblichen Verführungskünste, hat der Dichter Figuren geschaffen, die - in der Sprache der Psychologen - als Arche-Typen der Menschheit gelten können." (Kölner Stadt-Anzeiger)
Dreimal gerät die menschliche Ur- und Normal-Familie in äußerste Bedrängnis: Im ersten Akt durch den Einbruch der Eiszeit, im zweiten durch die Sintflut, im dritten durch den Weltkrieg. Aber Mr. und Mrs. Antrobus und ihre die Menschheit umfassende Familie tauchen aus allen Trümmern wieder auf, bauen neu und sind wieder einmal davongekommen. Thornton Wilders Schauspiel mit dem beziehungsreichen Titel ist ein mutiges Stück. Der Dichter glaubt an die Lebenskraft der Menschheit trotz der schauerlichen "Wiederkehr des Gleichen". Das Stück hat keinen Schluss, das Spiel geht weiter.

Mit seinem Stück Wir sind noch einmal davongekommen hat Thornton Wilder ein modernes Welttheater geschaffen. Es gehört zu den großen dramatischen Werken dieses Jahrhunderts.
"Sein Thema - die Darstellung der geistigen und vitalen Kräfte, die dem Menschen nach allen Katastrophen wieder den Mut zum Leben geben - hat nichts von seiner Aktualität verloren, seit das Stück sich nach dem letzten Weltkrieg die Bühnen der Welt eroberte. Wilders Held, Mr. George Antrobus, ist zum Sinnbild des Mannes geworden, der trotz aller inneren und äußeren Gefahren und Versuchungen nie den Glauben an die Menschheit verliert. Dasselbe gilt für Mrs. Antrobus, die zum Idealbild der sorgenden Mutter wurde. Auch in Henry, dem sich stets gegen die Ordnung der Welt empörenden Kains-Typ, und in Sabina, der Verkörperung aller weiblichen Verführungskünste, hat der Dichter Figuren geschaffen, die - in der Sprache der Psychologen - als Arche-Typen der Menschheit gelten können." (Kölner Stadt-Anzeiger)
Dreimal gerät die menschliche Ur- und Normal-Familie in äußerste Bedrängnis: Im ersten Akt durch den Einbruch der Eiszeit, im zweiten durch die Sintflut, im dritten durch den Weltkrieg. Aber Mr. und Mrs. Antrobus und ihre die Menschheit umfassende Familie tauchen aus allen Trümmern wieder auf, bauen neu und sind wieder einmal davongekommen. Thornton Wilders Schauspiel mit dem beziehungsreichen Titel ist ein mutiges Stück. Der Dichter glaubt an die Lebenskraft der Menschheit trotz der schauerlichen "Wiederkehr des Gleichen". Das Stück hat keinen Schluss, das Spiel geht weiter.