Liebestoll

Earl und sein Bruder Ray treffen sich zu Beginn des Stückes in einem abgelegenen Haus in New Mexico. Was sie dorthin geführt hat, ist der Tod des Vaters Henry, dessen Leiche noch in ein Tuch gehüllt auf dem Bett liegt. Sie haben sich viele Jahre nicht gesehen: Earl hatte seiner Familie den Rücken gekehrt, nachdem Henry im Rausch seine Frau terrorisiert und geschlagen und alle Fenster des Hauses zerschlagen hatte. Nun berichtet er Ray, dass Henrys Nachbar ihn verständigt habe, nachdem Henry betrunken in einem Taxi davongefahren und einige Tage nicht wieder aufgetaucht sei. Als Earl kam, fand er Henry schon tot vor. Ray merkt, dass etwas an dieser Geschichte nicht stimmt, und auch Esteban, dem Nachbarn, der den Bericht bestätigt, merkt man an, dass er Earl deckt. In Rückblenden wird aufgedeckt, was mit Henry geschah und was Earl darüber wusste.
Wie andere Stücke von Sam Shepard - Der Fluch der verhungernden Klasse, Vergrabenes Kind, Goldenere Westen - kreist dieses Stück um zwei Brüder, die in der Vergangenheit gefangen sind. Ihr Versuch, sich die letzten Tage ihres Vaters zusammenzureimen, entspringt dem verzweifelten Bedürfnis, sich von den traumatischen Erinnerungen an seine Gewalttätigkeit zu befreien, die ihr Leben überschattet.

Die Uraufführung im November 2000 am Magic Theater in San Francisco fand mit Nick Nolte und Sean Penn in den Hauptrollen statt.

Sex, Drugs, Rock'n'Roll und Waffen - all dies sind die Attribute, die Sam Shepard in seinem Stück verwendet. Irgendwann in der Zukunft haben sich Rockstars in Killer verwandelt, kämpfen ein bizarres Spiel mit dem Ziel eine goldene Platte zu gewinnen. Hoss, ein Rockstar/Killer, fürchtet um seine führende Position in dem Gewerbe um Tod und Musik. Gefährlich wird ihm der Killer Crow, ein Mann, der sich an keine Regeln hält.
Tooth of Crime ist eine Zukunftsvision gemischt aus Rockzirkus und "Rollerball". Der Sinn des Spiels wird niemals klar, eines aber schon, Hoss symbolisiert das Altern und die Pervertierung des American Dream.

Eine Farmerfamilie im Südwesten der USA hat zwar Mangel an Lebensmitteln, doch ist ihr Hunger anderer Art. Der Vater, der von einem erfolgreichen Lebend philosophiert, aber an seiner Prägung und Trunksucht scheitert, die Mutter, die von Europa schwärmt, aber immer aufs Neue mit der trostlosen Realität konfrontiert wird, die Tochter traumverloren und der Sohn, der den Familienzusammenhalt bewahren möchte.
FLUCH DER VERHUNGERNDEN KLASSE ist mehr als eine Familiengeschichte, wir begegnen hier dem amerikanischen Mythos des Farmlebens, dem Leben auf eigenem Land.
Der Autor gewann mit diesem "bahnbrechenden" Stück mehrere Preise. (u.a. den Obie Best Play Award 1977)

Ein Mann stirbt. Seine Gedanken, die er in der Todesstunde ausspricht, sind nicht die letzten Worte, die wir von ihm hören. Auch nach seinem Tod reflektiert er voller Verwunderung seine Situation. Der Redefluss wird für ihn zur letzten Verbindung zur Außenwelt. Auch die Hinterbliebenen wissen um die Kommunikationsbrücke, denn solange kommuniziert wird, ist der Mensch nicht gestorben. Mit Worten kann das eigene Gewissen beruhigt und zur Not sogar zugeschüttet werden. Doch - wie im Leben- redet man auch jetzt aneinander vorbei.
In dem Drama Stimmen, eine Gemeinschaftsproduktion mit Joseph Chaikin, ignoriert der Meister des Roadmovie natürliche Grenzen und zeigt den Protagonisten auch nach der letzten Etappe seines Lebensweges.
Es ist ein Unstück über die Grenzen von Leben und Tod hinweg.

Sonntagnachmittag bei "Dannys", einem amerikanischen Coffee Shop, typisch und komplett mit Billigmöbeln und uniformierter Serviererin eingerichtet. Im Café Gäste: der Weiße Mann und die Weiße Frau, die auf ihre bestellte Muschelsuppe warten. Vergeblich. Auftritt der Colonel, gekleidet in eine eigenwillige Uniform, die Luftwaffenmütze mit Säbel verbindet. Er schiebt Stubbs, einen jungen Kriegsveteranen, im Rollstuhl herein. Völlig unvermittelt erzählt der Colonel der Kellnerin Glory Bee, dass Stubbs von einem Geschoss verletzt wurde, das gleichzeitig seinen eigenen Sohn tötete. Der Colonel holte Stubbs aus dem Krankenhaus, um den Jahrestag des Todes seines Sohnes zu begehen. Mit Stubbs Hilfe will er rekonstruieren, wie es zum Tod seines Sohnes kam. Als Stubbs sich verweigert, versucht der Colonel mit immer brutaleren Mitteln, eine Aussage zu erzwingen. Schließlich schlägt er mit dem Gürtel auf den Krüppel ein. Und endlich wehrt sich Stubbs; er schlägt mit der Faust in den vom Colonel verordneten Banana Split. Er verlässt seinen Rollstuhl und beschuldigt den Colonel, ihn verraten zu haben. Während das Weiße Paar das Geschehen nahezu unbeteiligt verfolgt und nun auch die Suppe bekommen hat, wird Glory Bee in den Zweikampf der beiden Männer hineingezogen. Obwohl der Colonel sich in sie verliebt, schlägt sie sich auf die Seite von Stubbs. Als die beiden Protagonisten auf dem Höhepunkt ihrer Auseinandersetzung erstarren, stimmt der Weiße Mann ein Lied an, in das alle - mit Ausnahme von Stubbs - einstimmen.

So hatte Hobart Struther sich seine Suche nach "Authentizität" in der Wildnis eigentlich nicht vorgestellt. Jetzt steht der ehemalige Kunsthändler, der feststellte, dass seine Werte hohl sind und seine Ehe am Ende ist, neben seinem toten Pferd und gräbt ein Loch, meilenweit entfernt von jeglicher Zivilisation. Was hat er denn überhaupt zu finden gehofft? Hier ist nichts. Niemand. Die Wüste - der Shepardsche Tod des amerikanischen Traums.

Zwei Männer, Carter und Vinnie, kennen sich schon seit der Schulzeit. Sie hätten Brüder sein können, sind es aber nicht. Heutzutage sind sie kaum noch Freunde.
Und doch waren sie vor vielen Jahren Partner in einem Schwindel, in dem sie Rennpferde austauschten. Der Schwindel flog auf, aber sie entgingen ihrer Bestrafung, indem sie den zuständigen Leiter der Rennkommission in einen Sexskandal verwickelten.
Carter, der sich mit Vinnies Frau Rosie in Vinnies Buick aus dem Staub machte, kam ungeschoren davon und ist jetzt wohlhabender Pferdezüchter in Kentucky. Aber Vinnie hat belastendes Beweismaterial behalten - Negative, Briefe - und obwohl er gezwungen war, sich still zu verhalten, hat er doch die ganzen Jahre Carter sanft erpresst und sich von ihm aushalten lassen. Und an diesem Punkt beginnt das Stück...

Es ist nicht einfach, die einzige Bewahrerin der Familienwerte zu sein wie Halie, die Matriarchin auf der Farm in Illinois in Sam Shepards Vergrabenes Kind. Alles fällt auseinander, sobald sie zur Tür hinausgeht. Eines Tages kommt sie von einem Mittagessen mit Pastor Dewis zurück und findet eine junge Frau in hautengen Jeans vor, eine völlig Fremde, die das Haus in Besitz genommen zu haben scheint. Die Schlampe macht gerade eine Bouillon für den alten kranken Dodge, Halies trunk- und streitsüchtigen, ungewaschenen Ehemann. Und das ist nicht alles: Tilden, der schwerfällige, nicht mehr junge Sohn von Dodge und Halie, ist verschwunden, und außerdem hat irgendjemand ihrem anderen Sohn Bradley sein Holzbein weggenommen und ihn wütend auf dem Sofa liegen gelassen.
Immer anständig, wenn auch ein wenig beschwipst, fragt Halie den Pastor, wie sie als Christin jetzt handeln soll. Nach ein paar stärkenden Schlücken aus Pastor Dewis' Flachmann, fängt sie an, Befehle zu geben. ... Auf Dodges Enthüllung des Familiengeheimnisses, das den schrecklichen, den zerstörerischen Kern des Stückes bildet, ist sie allerdings nicht gefasst.

Diese vom Autor neu bearbeitete Fassung des Stückes, das 1979 den Pulitzer Preis gewann, wurde 1995 von Gary Sinise für die Steppenwolf Theatre Company inszeniert. Die Produktion wurde zuerst mit großem Erfolg in Chicago gezeigt, bevor sie im April 1996 am Brooks Atkinson Theatre am Broadway, New York, Premiere hatte und fünf Tony-Nominierungen erhielt.

„Ich habe noch nie so viele Verrückte auf einem Haufen gesehen!“, ruft Roscoe gegen Ende aus. Mitte sechzig und frisch getrennt von seiner Frau, findet er sich als einziger Mann – und verlorener Außenseiter – im Haus von vier Frauen wieder. Durch sein Erscheinen drohen deren dunkle Geheimnisse ans Licht zu kommen.

Henry Hackamore hat offensichtlich nicht mehr lange zu leben. Bleich und ausgezehrt vegetiert er auf einer Art Zahnarztstuhl in einem kahlen Zimmer irgendwo in Südamerika. Er ist fast nackt, trägt nur weiße Boxershorts, sein Haar schulterlang, weiß, der Bart lang und weiß, die Finger- und Zehennägel korkenzieherförmig. Hackamore hat etwas von einem verrückten Propheten, verunsichert von Paranoia und besessen von der Angst vor Viren. Hackamores Verstand gleicht einem zerschmetterten Prisma, dessen einzelne Kristalle seine Vergangenheit in einem wirren Strom von Wahnvorstellungen und Erinnerungen brechen. Er selbst sieht sich nicht als despotischen Magnaten, sondern als Opfer - betrogen von den räuberischen Lakaien und belastet mit einer riesigen Organisation, die nach seinem Tod beschlagnahmt werden soll.
Hackamore, immer noch aus Fleisch und Blut, hat zwei seiner früheren Gespielinnen aus den USA herbeizitiert, um mit ihnen die letzte seiner Orgien zu feiern. Diese Flittchen, gekleidet im Stil der 40er Jahre, jener Zeit, in der Hackamore den Höhepunkt seiner Macht und Potenz erlebte, Luna und Miami, tanzen für ihn einen Striptease, der für Hackamore im klamaukartigen Desaster endet. Verführt enthält ein großes Stück Tragödie. Auch wenn es vordergründig mit der Lebensgeschichte des Howard Hughes spielt, so erzählt es im Grunde von der Vereinsamung des Menschen, der gefangen in einem unwirtlichen Raum und völlig abgeschieden von der Außenwelt, Wirklichkeit und Irrealität nicht mehr zu unterscheiden vermag.

Zwei Detektive, Pablo und Louis, sind damit beauftragt, den mysteriösen Tod Niles, eines Jazzpianisten, zu untersuchen. Sie ermitteln in dessen Wohnung, wo auf dem Fußboden die Umrisse des toten Körpers aufgezeichnet sind. Pablo und Louis vermuten, dass hier nicht alles mit rechten Dingen zugegangen ist und spielen verschiedene Mordarten durch. Zufällig stoßen zwei Bandmitglieder aus Niles Gruppe dazu - sie machen übrigens eine Musik, die vom Menschen nicht mehr wahrnehmbar ist. Petrone und Laureen werden eingehend verhört. Später tritt Niles selbst auf - für die anderen unsichtbar. Begleitet wird er von Paulette, einer Art geistiger Führerin von der anderen Seite. Sie hilft ihm, sich vom Leben zu verabschieden, indem sie ihn in verschiedene Kostüme steckt (z.B. einen Cowboy-Anzug) und dann diesen Teil seiner Persönlichkeit erschießt. Offensichtlich beging er Selbstmord, um seinem Ruhm zu entkommen, aber Petrone spürt seine Anwesenheit und - trotz Paulettes verzweifelten Warnungen - bringt er ihn wieder nach innen, wo er in Handschellen gelegt und abgeführt wird. Selbstmord in h-moll, entstanden 1976, ist eine Art Übergangsstück in Shepards Werk, denn es verbindet viele Motive seiner früheren Stücke mit den Ideen, die ausführlicher in den späteren Stücken dargestellt sind. Es markiert auch einen Wendepunkt im Leben des Autors. Denn nun war die Rolle des Künstlers mehr als ein abstraktes Thema seiner Stücke geworden, sondern bereits wichtiger Bestandteil seines täglichen Lebens. Sam Shepard wandelte sich vom begabten, jugendlichen Autor der Off-Off-Broadway-Szene zum "vielversprechendsten, jungen, hochtalentierten, preisverdächtigen, amerikanischen" Schriftsteller.

Die inneren Monologe, aus denen dieser Text besteht, beschreiben das Werden einer Liebe. Von der ersten Begegnung in einem Postamt bis zur sexuellen Erfüllung, von der Romantik des Beginnens bis zu den ersten Zweifeln, vom Aufkommen der Eifersucht bis zum symbolischen Töten. Die Liebenden werden sich immer mehr der Rolle bewusst, die sie spielen und in die sie sich drängen lassen.
Der wie ein Gedichtzyklus angeordnete Text handelt von der Unbeständigkeit des Selbst, von der Sehnsucht nach Zuneigung und vom Überdruss der allzu engen Vertrautheit. Teilhaben und Bedauern, Gewissensbisse und erneuter Anfang wechseln einander ab.

Fünf junge Menschen warten auf ein Feuerwerk. Irgendwo an einem abendlichen Strand haben die Mädchen Jill und Pat in der Picknickgesellschaft der Männer Bill, Howard und Frank ein üppiges Mahl zu sich genommen. Dann erblickt einer der jungen Männer hoch in den Lüften ein Flugzeug. An diesem Flugzeug, Traum und Angsttraum heutiger Menschen, entzündet sich die Einbildungskraft der Figuren. Die unterschiedlichen Facetten ihrer Reaktionen, ihre Erregungszustände und Phantasie-Vorstellungeb, gespeist aus Tiefen des Unterbewußtseins, gesteigert bis zur Gruppen-Hysterie, bilden den Inhalt vonIkarus.

Zwei ältere Männer, Ames und Byron, sitzen auf einer Veranda und reden miteinander, so beginnt Sam Shepards neues Stück. Der Ort ist Ames’ abgelegenes Landhaus, in das er sich zurückgezogen hat, nachdem seine Partnerin herausgefunden hat, dass er sie betrogen hat. Von Gewissensbissen und Einsamkeit geplagt, hat er um drei Uhr nachts seinen alten Freund Byron angerufen und ihn gebeten, ihm Gesellschaft zu leisten.
Nun sitzen sie da und warten auf eine Mondfinsternis. Der Bourbon fließt, die Unterhaltung jedoch stockt. Die Männer haben sich seit Jahren nicht gesehen und gehen befangen und abwehrend miteinander um. Verschiedene Versionen ihrer gemeinsamen Vergangenheit lassen Aggressionen hochkommen. Während Byron und Ames zuschauen, wie der Mond sich verfinstert, wie die Erde ihren Schatten auf ihn wirft, fühlt sich ihre Einsamkeit so unendlich an wie die Ewigkeit

Salem und Kent befinden sich in einem mexikanischen Hotelzimmer. Urlaub wollten sie hier machen, doch Kent kämpft mit Durchfall. Wie aus dem Nichts steht auf einmal ein Junge bei ihnen im Zimmer und beginnt, sich dort einzunisten. Als Kent kollabiert, steht er Salem hilfreich zur Seite und telefoniert nach Hilfe. Es kommen ein Medizinmann und sein Sohn. Zur Hilfeleistung gehen sie fragwürdigen Ritualen nach, doch Salem ist zu schwach, um einzugreifen. Wie kurz zuvor Kent bekommt sie Durchfall und Fieber, fleht um die Aufmerksamkeit der Männer. Doch nur der Junge scheint sie zu hören, bietet seine Hilfe gleichzeitig aber auch seine Anwesenheit an. Fieberhaft bitte sie ihn, mit ihr zu kommen, bei ihr zu bleiben, doch scheinbar erfolglos.
Im zweiten Akt befinden sich Salem und Kent offenbar in einem amerikanischen Hotel. Wieder erkrankt Kent, ein Doktor und sein Sohn kommen. Die merkwürdigen Verhaltensweisen der beiden erscheinen bedrohlich. Die Eskalation ist nicht mehr zu aufzuhalten.

Vergrabenes Kind - ein Stück über Abhängigkeiten in Familien, zwischen Vätern und Söhnen, und die Illusion von einer glücklichen Vergangenheit. Über Tod und Wiedergeburt, dunkle Familiengheimnisse, Inzest, Mord und die Zerstörung des American Dream.
Das Stück gewann 1979 den Pulitzer Preis.

An einem Nachmittag irgendwo in Kalifornien. Sam (Shepard) interviewt Bob (Dylan), das Stück basiert auf einer wahren Begebenheit.
Zur Sprache kommen während dieses Nachmittags die Einsamkeit, Haltlosigkeit und Obsession eines Musikers, sein Verhältnis und seine Liebe zur Musik, gepaart mit einer erstaunlichen Lustlosigkeit gegenüber dem, was man Welt nennt, zum sogenannten Showbusiness und im Grunde auch sich selbst gegenüber.

Slim und Cavale leben zusammen in einem chaotischen Zimmer. Sie hat ihn von der Straße weggekidnappt, um einen Rockstar aus ihm zu machen. Ein Rockstar, der wie Jesus zum Erlöser werden soll - aber eben mit einem Cowboy Mouth, ein Straßenengel. Cowboy Mouth ist eine Rockversion von Samuel Becketts Warten auf Godot, der hier in Form des Hummermanns tatsächlich erscheint.

Ein Dorf in Mexiko. Nachthimmel, Sterne, ein silberner Mond. Der Klang einer Gitarre, das Zirpen von Insekten, eine tropische Atmosphäre, in der Ferne Schreie aus der Wildnis. Consuela, ein junges mexikanisches Mädchen von gespenstischer Schönheit, tanzt wie in Trance. Ihre Bewegungen sind langsam, sehnsuchtsvoll, wie aus einer Traumwelt. Viejo sagt, sie sei eine Sombra, ein Wesen aus dem Reich der Schatten. Um ihre Hüfte trägt sie einen Gürtel, die Enden der Riemen schmücken blaue Augäpfel.
Eine Lehmhütte am Weg. Henry, ein Gringo aus Texas, schläft in einer Hängematte. Plötzlich stößt er einen Schrei aus in die Nacht. Ein Alptraum. Schweißgebadet löst er sich aus der Erstarrung, zündet sich eine Zigarette an und geht ein paar Schritte nach draußen - ahnungslos, was ihn in der Dunkelheit erwartet, denn plötzlich taucht Amado auf. Henry sitzt in der Falle. Eine phantastische Nacht beginnt, in der er nicht nur den Verstand zu verlieren droht.

Sex, Drugs, Rock'n'Roll und Waffen - all dies sind die Attribute, die Sam Shepard in seinem Stück verwendet. Irgendwann in der Zukunft haben sich Rockstars in Killer verwandelt, kämpfen ein bizarres Spiel mit dem Ziel, eine goldene Platte zu gewinnen. Hoss, ein Rockstar/Killer, fürchtet um seine führende Position in dem Gewerbe um Tod und Musik. Gefährlich wird ihm der Killer Crow, ein Mann, der sich an keine Regeln hält.
Rhythm & Bluad ist eine Zukunftsvision gemischt aus Rockzirkus und "Rollerball". Der Sinn des Spiels wird niemals klar, eines aber schon, Hoss symbolisiert das Altern und die Pervertierung des American Dream.

Es ist Weihnachten. Zwei junge Männer und zwei junge Frauen befinden sich in einem Raum. Wo dieser Raum sich befindet, in welcher Umgebung, warum die vier Menschen sich dort aufhalten (oder aufhalten müssen) bleibt unbestimmt. Ist es in einer Nervenheilanstalt oder sind die vier einfach nur auf einem "Trip" - es wird bis zum Ende nicht klar. Der Titel des Stückes ist irreführend, denn eine Handlung im Sinne eines roten Fadens hat Action nicht - trotzdem ist das Stück von höchst seltsamen Handlungen der Beteiligten bestimmt.

Blue Morphan lebt in einem ausgedienten Chevy am Rande eines Highways, als er Besuch von Willie, "The Space Freak" aus Nogoland, bekommt. Willie stammt aus der Zukunft und besitzt übernatürliche Kräfte, z.B. kann er den 120-jährigen Blue in einen jungen Mann zurückverwandeln und dessen verstorbene Brüder, Cisco und Sycamore, wieder zum Leben erwecken. Diese in den achtziger Jahren gefürchtete und berüchtigte Bande von Revolverhelden soll Willie helfen, sein Land von den totalitären Machthabern zu befreien, die ihm die "unsichtbare Hand" in seinen kahlgeschorenen Schädel gebrannt haben. Diese Hand unterdrückt alle subversiven Gedanken, indem sie das Gehirn solange zusammenquetscht, bis Willie in Trance fällt. Zu diesen vier Männern stößt der junge Kid - somit sind Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft Amerikas auf der Bühne versammelt. Kid bedroht die anderen mit einem Revolver, als Willie plötzlich in Trance fällt und in einer merkwürdigen Sprache zu reden anfängt. Es stellt sich heraus, dass es Kids Monolog von kurz zuvor ist - nur rückwärts. Danach ist Willie und mit ihm seine Landsleute von der "unsichtbaren Hand" befreit. Er hat den Code geknackt und Tischtennisbälle fallen vom Himmel. Aber trotz aller Anstrengung hat sich nicht viel geändert. Willie, der Space Freak der Zukunft, geht zu seinen Leuten zurück und Amerikas Vergangenheit hüpft in Gestalt von Blue und Cisco in eine ungewisse Zukunft, während Kid dort verharrt und Sycamore es sich im Chevy bequem macht. Es wird wohl alles wieder von vorn beginnen.

Shepard demonstriert am Beispiel eines Pop-Sängers und der Atmosphäre der Pop-Unterhaltungsindustrie die Aufdeckung des Ausbeutungsprinzips und die unterschwellige Brutalität in unserer heutigen Konsumgesellschaft. Text und Spiel, Songs und eine Beat-Band bedingen einander, um Zustände der Furcht, der Hilflosigkeit, der Gewalt und des Leidens zu verdeutlichen.

Stadt der Engel spielt in Los Angeles - oder genauer in Hollywood. Es beschreibt die amerikanische Filmindustrie, die Traumfabrik Hollywood. Sam Shepard schildert den Filmbetrieb in katastrophalem Zustand. Die Ideen sind erschöpft, die Menschen drehen sich in einer Maschinerie, die in Verwirrung geraten ist. Die Filmindustrie spiegelt die soziale, intellektuelle und ökonomische Verschmutzung Amerikas, die Produktion von künstlichen Träumen für die Masse durch Zerstörung individueller Wünsche und Illusionen.

Ein junger Mann in einer Badewanne bietet eine verbale Montage von Vorstellungen, die um das Leben der Menschen an einem großen Badestrand kreisen. Heterogenes vereint sich da wie in den Werken der Pop-Kunst: Poetisches, Banales und Ordinäres. Der Schlussappell an das Publikum "Atmen, Mitatmen" zeigt eine Ratlosigkeit, die in eine Reduktion aller Bewusstseinsvorgänge mündet.

Unternehmen Klapperschlange ist die theatralische Umsetzung der Hopi-Legende. Aber nicht mit dem erhobenen, moralischen Zeigefinger, sondern in sehr aufgelockerter, kaleidoskopartiger Form. In seinen anderen Stücken führt uns Shepard oft, innerhalb einer strengen, ja fast ritualisierten Form, archetypische Theaterfiguren vor. In diesem Fall scheint man eher in eine Disney-World-Parade verschlagen zu sein, so vielfältig ist bei Unternehmen Klapperschlange das Figurenangebot. Diese führen einen absurden Tanz um ein goldenes Kalb in Form eines überdimensionalen Klapperschlangen-Computers auf. Dabei wird geschossen, es bleiben auch Leichen auf dem Weg, gespritzt, nur meint die junge Dame, es handle sich dabei um Insulin und man würde davon wieder Kraft zurückbekommen, und ein ganzer Luftwaffenstützpunkt soll mit Dope im Trinkwasserspeicher auf den Trip geschickt werden. Spielort ist die Wüste, Symbol des Lebens und des Todes. Diese Wüste ist der Ort, von dem die Auserwählten den Aufbruch in die Fünfte Dimension starten sollen, nachdem die korrupte Vierte endgültig zerstört wird.