Meine Königin

In einer alten Molkereiruine schießen drei Männer JUST FOR FUN. Mit Schnaps und selbstgebauter Schießfigur. Marcus ist Bastls Vater und hat gerne alles im Griff. Auch den Bastl, weil der sonst falsche Entscheidungen trifft. Und den Joost, weil der so eine richtig verkrachte Existenz auf Speed ist. Da passt das mit dem Schießen ganz gut. Weil´s da klare Regeln braucht. Blöd nur, dass Malin auch gerne durch die Ruine streunt. Sie ist ca. 14 und steht auf lost places, da kommen ihr die schrägsten Ideen für Fantasystories. Joost soll sie vertreiben. Vergeblich. Malin begegnet ihm völlig furchtlos. Und noch mehr. Mit ihrer überdrehten Ernsthaftigkeit legt sie bei Joost eine unerwartete Sanftheit frei.

Auf dem Nährboden schießender Männergespräche lässt Caren Jeß eine sonderbare Freundschaft wuchern, die so brüchig wie flüchtig ist. Als Markus und Bastl herausfinden, dass Joost Malin gar nicht verjagt hat, werden sie misstrauisch. Jemandem wie Joost ist kaum zu trauen, dass sein Interesse rein platonisch ist. Das scheint - für diesen Moment - nicht fair, weil sich das Glück dieser bizarren Begegnung wie ein Sonnenstrahl in das Gestrüpp der ungewaschenen Haare flicht. Glaube, Liebe, Hoffnung. Kurz blitzt auf, was für ein Mensch Joost hätte werden können, wenn sein Leben nicht komplett schief gelaufen wäre.

"Die rechte, die linke, die mittige Strähne. Dein Haar in meinen Händen. Die rechte, die linke, die mittige Strähne. Glaube, Liebe, Hoffnung, diese drei, spür, wie sie ineinander gleiten, Glaube, Liebe, Hoffnung, diese drei, wo waren sie so lange? Wo wart ihr bloß, was habt ihr denn die ganze Zeit gemacht? Glaube, Liebe, Hoffnung, sagt, wo wart ihr?"

Eine Frau gelangt an einen unbekannten Ort am Meer. Sie weiß noch nicht, dass sie gleich Intimes aus ihrem Leben erzählen wird. Doch da taucht plötzlich diese sonderbare Kreatur auf, die es genau versteht, die Frau zum Reden zu bringen. Die Kreatur heißt Morpho Peleides und befindet sich in einer Metamorphose, für deren Entwicklung sie sich an Unangenehmem labt. Wohlformulierte Erzählungen, schöne Bilder? Nein, gib mir dein Innerstes!

Kitsch ist ein autofiktionales Theaterstück, das sich wie eine Magensonde in sein Thema hineinbohrt. Essstörung und Geschlechterzugehörigkeit, sexuelle Traumata und Lebensmüdigkeit. All das wirkt hart und ist doch vielen so bekannt. Doch was bedeutet es eigentlich, ist es hilfreich, wenn wir unsere Emotionen offenlegen, oder bedienen wir einen Voyeurismus, der immer unempfindlicher wird gegenüber krassen Bildern und wahren Begebenheiten? Ach, und wer ist eigentlich dieser drollige Junge, der immer dann auftaucht, wenn man ihn am wenigsten erwartet? Ist er wirklich da, oder ist er nur Einbildung, wie vielleicht alles hier an diesem sonderbaren Ort am Meer, da entstanden, wo auch die Sucht entsteht: im Kopf?

Caren Jeß hat schon wieder ein Stück geschrieben, das die Grenzen des Vorstellbaren bis ins Unvorstellbare dehnt und gleichzeitig genau dadurch so vieles verstehbar macht, was anders kaum zu beschreiben wäre.

Den Dreckspfau hat es denkbar schlecht getroffen - schon als die Mutter sein Ei im dunklen Wald entsorgte. Trotzdem geschlüpft, natürlich kriminell geworden. Voll verdreckt sieht keiner seine Schönheit. Im Gegenteil. Der Spatz, der Spast, macht ihn nur blöd an, und die Unterstützung gibt ihm Zuspruch, aber keinen Fernseher. Der Bussard redet gar nicht mehr und die Flamingos sind es leid, sich ewig nur im Kreis zu drehen. Sumpfmeise Veroniko möchte nicht auf seine Schönheit reduziert werden und die Taube im Müll träumt von barocker Zügellosigkeit. In sieben komisch-poetischen Miniaturen beschreibt Caren Jeß menschliche Abgründe im Federkleid und lässt sie so befremdlich schön blühen wie die selbstverliebte Narzisse inmitten der LGTB-Pflasterritzenvegetation.

“Voller Humor ist Bookpink, voll von subtilem Wortwitz und draller Situationskomik, von erzählenden Texten scharf gezeichnet und von Figuren und Dialogen prall koloriert. Das kommt vordergründig so leichtfüßig daher und in den Figuren der Tiere und Pflanzen so unverfänglich simpel (- die Geschichte von Emanzipation und Gender über die männliche Sumpfmeise Veroniko zu erzählen, ist beispielsweise schon ein sehr hilfreiches Mittel, sich der aktuellen Debatte ohne stereotype Zuweisungen zu nähern -), dass eine weitere Lust darin besteht, entschlüsseln zu wollen, welches der großen Themen Jeß jetzt eigentlich gerade am Wickel hat.” (aus der Laudatio von Wiebke Puls anlässlich des Münchner Förderpreises für deutschsprachige Dramatik 2018)

Eleonore ist eine Frau. Bis sie eines Tages merkt, dass sie eigentlich eine Katze ist. Weil sie finanziell unabhängig und alleinstehend ist, steht ihrer Umwandlung eigentlich nichts im Weg. Sie lässt sich einen Katzenfellanzug nähen, entmenschlicht sukzessive ihr Ess-, Schlaf- und Sozialverhalten. In Kopfgesprächen mit Dr. Wildbruch, einem Therapeuten, auf den ihr katzenhaftes Verhalten eine große Faszination ausübt, zeigt sich deutlich, dass auch Eleonores Denken zunehmend dem einer Katze gleicht. Ihre Distanzierung von menschlichen Wahrnehmungsformen, die es mit denen einer Katze bei Weitem nicht aufnehmen können, ist so nachvollziehbar beschrieben, dass die Transformation ihres Lebens weitaus mehr als nachvollziehbar klingt. Man könnte sogar sagen, verlockend.

Gleichzeitig bewegt Eleonore sich im Spannungsfeld der Unmöglichkeit, als Mensch tatsächlich eine Katze sein zu können. Die Biologie ist bei aller Anpassung nicht zu überlisten. Trotzdem passt sie sich so weit wie möglich an. Schlussendlich besteht ihr Leben nurmehr aus der Jagd nach Mäusen im Garten und Schlaf, die Reduktion auf Trieb und Instinkt. Wie sich die Sinne dabei erweitern und Gesellschaft absolut nebensächlich wird, davon erzählt der Monolog Eleonores mit einer Sprache, die in ihrer filigran poetischen Genauigkeit dem Wesen einer Katze sehr nah kommt – bei aller Ambivalenz. Denn der Rückzug des Menschen in die absolute Privatheit stellt auch die drängende Frage nach der Verantwortung, die wir im Einzelnen als Teil einer funktionierenden Gesellschaft tragen müssen.

„Sozialkompetenz , ey.“ Zum Glück müssen Kevin, Aslan und Özgür an diesem Schwachsinn nicht mehr teilnehmen. Lieber laufen sie in der quadratischen Endlosschleife des Gefängnishofs vor ihren Verbrechen davon. Und da gibt es hier tatsächlich einiges zum Davonlaufen: Totgefahrene Schwangere, aufgeschlitzte Prostituierte, rausgerissene Herzen, Ehrenmord. Dagegen ist Aslans geklautes Auto eher eine Kleinigkeit. Aber Stacheldraht verbindet. Aslan, mach den Löwen, rufen sie. Aber er geniert sich. Aslan beginnt erst dann zu brüllen, als Özgürs Gefühle die Frage nach dem WARUM erzwingen und die (Gefängnishof)- Welt einfach in sich zusammenfällt.

Komisch derb und poetisch zart beschreibt Caren Jeß die Ambivalenz einer potenten und brutal wirkenden Gesellschaft, die Risse bekommt, als sie gezwungen wird, sich mit den tieferliegenden Schichten ihres Gegenübers auseinanderzusetzen. Ein ungemein weiblicher Blick auf männliche Verhaltensmuster.

Eleos ist eine Partitur aus Wut. Ganz leicht, fast flüchtig, ahnungsvoll beginnend, steigert sich die Wut vom Unbedarften hin zum Bösen. Mit poetischer Genauigkeit und filigranem Rhythmus komponiert Caren Jeß aus 36 Miniaturen eine beklemmend schöne Kakophonie der Dunkelheit. Ihre Empörungen erzählen von Frust und Zurückweisung, Niedergeschlagenheit, Angst, Gewalt und Hass. Sie erzählen von ahnungsloser Wut und vorsätzlicher, von Demütigung, Beleidigung und immer wieder von dem Schmerz, der aller Wut zugrunde liegt. Caren Jeß verwandelt dieses abgründige Gefühl in eine verstörend schöne Symphonie aus Sprache, Klang und Form. Unentrinnbar komisch und tragisch zugleich.

Sara Sams und Ann Kudann lernen sich beim Aerobic kennen. Sie könnten unterschiedlicher kaum sein. Ann, gewissenhafte Augenärztin, alleinstehende Mutter, introvertiert, mit dem unbezwingbaren Drang, die eigene Haut zu beschädigen, sieht sich unverhofft mit der selbstbewusst ungebundenen und lebenslustigen Sara konfrontiert. Weil Sara nicht zulässt, dass Ann sich wieder zurückzieht, entsteht zwischen den beiden etwas, das Ann irgendwann zärtlich „Heartship“ nennt.

Wütend sind sie beide. Doch während Anns Wut sich gegen sie selbst richtet, entlädt Saras Wut sich jeden Monat in furios-explosiven Reden beim bunten Abend des feministischen Vereins Gynta e.V. in einer Kneipe namens – wie könnte es anders sein – „Heartship“. Irgendwann ergreifen Ann Kudann und Sara Sams gemeinsam das Wort und segeln dem Patriarchat mit ihrem Heartship einfach davon.

Ein zorniger, ein lustiger, ein sensibler, ein zärtlicher und herrlich ermutigender Text für zwei starke Schauspielerinnen, die das Patriarchat für einen Abend mit Freude aus den Angeln heben wollen. Und das am besten jeden Tag aufs Neue.

„Eure Gewalt ist nicht der Eisblock, an dem unser Heartship havariert.“

Zwei Frauen lernen sich durch Zufall kennen. Sie sind sehr unterschiedlich. Vielleicht mögen sie sich gerade deshalb. Vielleicht sind sie aber auch einfach einsam. Zwischen den beiden entspinnt sich eine vorsichtige Freundschaft. Theta züchtet Tauben und nimmt Erike mit in ihren Schrebergarten. Für Erike ist es, als ob sich eine neue Welt öffnet. Die Freundschaft zu der älteren Theta fordert sie heraus und macht sie glücklich. Doch alles ist endlich. Was bleibt, sind Kulturfolger: Tauben und Ratten und Fliegen und Marder. Auch von ihnen handelt dieses Stück, in dem Caren Jeß die Faszination ihrer widerlichen Schönheit feiert. Lyrik, Lyrics, Punk, Prosa und Dramatik gebärden sich wild, während die Begegnung dieser beiden sonderbaren Frauen so berührend beschrieben wird, dass das Herz vor Glück immer wieder ins Stocken kommt.

Was bleibt uns noch, wenn die Kultur abhanden kommt? Selbst diese dystopische Frage weiß Caren Jeß in suchtgefährdenden Genuss zu verwandeln. Sei es mit den Songs der Punkband The Toothbrushes, nebentextlicher Tiefgründigkeit oder obszön schönen Gedichten. Und eines wird klar: Solange all das mit solch lustvollem Übermut gelingt, kann die Kultur gar nicht abhanden kommen.

** Nominiert für den Mülheimer Dramatikpreis 2026 **

Ein Mann. Ein Schwein. Das Anthropozän. Aaron wächst in einem evangelikalen Elternhaus auf, entdeckt aber früh sein naturwissenschaftliches Interesse und erkennt: Der Mensch wurde nicht von Gott geschaffen, sondern von Kohlenstoff. Und so begibt sich Aaron auf die verheißungsvollen Pfade der Wissenschaft, wird Geologe, und lernt, die Erde zu verstehen. Das ist zermürbend. Denn es steht nicht gerade bestens um sie. Aber Aaron legt sich für sie ins Zeug. Zusammen mit Tupper, seinem Schwein aus Polyester. Aaron liebt sein Kuscheltier. Kann sein, dass man ihn deshalb nicht ganz ernst nimmt. Aber das ist ja vielleicht der Schlüssel zum Glück: sich nicht allzu ernst zu nehmen. (Caren Jeß)

Caren Jeß schreibt ein Stück über die absolute Überforderung in der Gegenwart. Sie spannt den Bogen zwischen der Angst vor dem Weltende, der Unfähigkeit, sich zu verstehen, und der ewigen Sehnsucht nach der Sicherheit in der Liebe. Rasend komisch und zutiefst ehrlich trifft sie den Geist einer Generation, die dem Schwindel der sich selbst überholenden Zeit entgegentreten muss. (Thalia Theater Hamburg)

Das künstlerische Team um Miriam Ibrahim beschäftigt sich mit dem Thema des kollektiven und transgenerationalen Traumas durch rassistische Gewalt. Wie schreiben sich die schmerzhaften Erfahrungen unserer Vorfahren in unsere Körper und in unser Verhalten ein? Gemeinsam beschreitet das Team Wege des Erinnerns und Wiederfindens und wirft so Schlaglichter auf den Umgang mit Geschichte und Gegenwart. Die Auseinandersetzung mit dem Genozid in Namibia an den Herero und Nama durch die deutsche Kolonialmacht von 1904 bis 1908 steht dabei im Fokus der Stückentwicklung.

Die fiktiven Figuren des Stückes, eine Schwarze Enkelin und ihre weiße Großmutter, werden von realen Erfahrungen der beiden Schauspielerinnen bereichert. Sie treten heraus aus ihren Rollen und kontextualisieren sich vor dem Hintergrund wechselhafter Video- und Bildmaterialien immer wieder neu. Wut und Verdrängung begegnen Ungeduld und Ergebenheit. Die Vergangenheit fordert die Verantwortung der Gegenwart. Motive und Fragen tauchen so oft wieder auf, bis sie in einen Dialog der Verständigung münden. Die Liebe zwischen Enkelin und Großmutter reibt sich an der gesellschaftspolitischen Diskrepanz, die sie bestimmt. So werfen die Figuren einen emotionalen wie kritischen Blick auf ein Thema, das weit über den Kosmos des Privaten hinausreicht. (Staatstheater Augsburg)

Das Bookpink-Universum wuchert köstlich weiter. Caren Jeß entführt aufs Neue in die faszinierende Welt der Vögel, die - wie schon im ersten Bookpink - erschreckende Parallelen zur Menschenwelt aufzuzeigen vermag. Wen wundert da, dass es in Bookpink New Arrivals um Faschismus, Machtmissbrauch und das langsame Verschwinden von Fantasie geht. Und dass trotzdem noch gelacht werden kann. Denn eins ist bei Caren Jeß völlig klar: Nichts ist einfach so, wie es scheint.

Der Adler verachtet sein Kind. Dabei ist der Adler doch die Mutter. Aber ohne weibliche Form. Die gibt es für ihn nicht. Dafür den Kainismus. Wenn starke Adlerküken schwache Adlerküken töten. Peinlich, wenn das Schwache überlebt. Schnell mit ihm ins Reservat für auffällige Vögel. Besser neue Eier brüten, starke Küken hüten.

Frau Pétain, ein influencendes Kolibriweibchen, will sich sterilisieren lassen. Doch die Operation misslingt. Die ärztliche Zaunkönigin juckt das nicht. Sie ist ohnehin dagegen. Da kann auch der besorgte Kollege Titsch, ein Orangekopftrupial, nichts ausrichten. Frau Pétain begreift nicht, dass ihr Eingriff erfolglos blieb. Fröhlich zwitschernd fliegt sie davon.

Nikkie die Kanarie sitzt leuchtend gelb in einer Voliere. Sie sehnt sich nach Freiheit, gibt nur noch einzelne Töne von sich. Mensch Cord wird sie ihr nicht mehr geben, er ist am Sterben, umgeben von Glas, Farben und Licht, das sich hundertfach bricht. Derweil sitzt Zilpzalp am Fenster und wartet feixend auf den Moment, in dem Cord gegangen sein wird, die Voliere sich öffnet und Nikki zu singen beginnt.

Mit Die Adler, Nullipara Kolibri und Nikki die Kanarie wird Bookpink um drei neue Dramolette ergänzt. Diese können nach ihrer Uraufführung mit den sieben Dramoletten des ersten Teils frei kombiniert werden. Weitere sollen folgen

Caren Erdmuth Jeß, 2020 von der Zeitschrift »Theater heute« zur Nachwuchsdramatikerin des Jahres gekürt, hat für den Schauspielbeitrag zur »Ausweitung des Ringgebiets« ein neues Stück geschrieben. Jeß, die mit ihrer bildstarken Sprache immer auch rhythmisch-klanglich arbeitet, geht in Die Walküren von den Wagnerschen Figurenkonstellationen und Motiven aus, überhöht dabei aber dessen Stoff, treibt ihn ins Groteske und lenkt den Fokus auf die weiblichen Figuren.

Sie entwickelt ihr Stück aus der chorisch geballten Wucht, Wut und Sehnsucht der Walküren heraus: In schwindelerregenden Höhen lässt sie kraftvolle Gesänge schallen, während unten die übrigen Figuren, allesamt niederen Motiven folgend, ihren aberwitzigen Beschäftigungen nachgehen. Auswüchse einer Welt, die fern von unserer zu liegen scheint und ihr doch immer wieder befremdlich ähnelt. Wie Jeß selbst, die sich (als ihr Alter Ego »Erdmuth«) in einigen der aufregendsten Stückpassagen – zwischen Textfläche, diskursivem Autorinnenkommentar und informativ plaudernder Regieanweisung – direkt mit der Megalomanie von Wagners Weltentwurfswollen auseinandersetzt, sind die Walküren auf Konfrontationskurs mit dem »Nationaldichter«. So begegnen sie unter anderem in dessen sehr komischem Seidenhausschuh ausgeklügelten Selbstmarketingstrategien und kontern als überzeitliches »Urgestein« patriarchale Ansprüche Wotans wie Wagners. »Wir halten die Runen in Glut und schlagen und biegen sie, dass ihr euer Erbe nicht wiedererkennt«, drohen sie. In Jeß’ Version des Stoffes erkennt man das »Erbe« durchaus. Aber auch, dass berechtigte Fragen daran zu stellen sind. (Ankündigung des Staatstheater Braunschweig)

Eine Geisteswissenschaftlerin steht vor einem Gemälde. Einem Stillleben. In diesem Stillleben sitzt der Protagonist. Nennen wir ihn Frank. Ein Musterbeispiel seiner Epoche – dem Biedermeier. Aber das 19. Jahrhundert ist vorbei. Wir leben in keiner Monarchie mehr, und Autoritäten lehnen wir ab. Wir bilden uns gerne eine eigene Meinung! Oder, Frank? Aber was ist übriggeblieben vom Rückzug ins Private? Sofalandschaften sind spätestens seit der Pandemie erneut zum beliebtesten Rückzugsort der Mittelschicht geworden, und erlebt nicht der sogenannte Spießer sein Revival? Draußen brennt’s, und keiner reckt die Fäuste hoch. Woher kommen diese Politikverdrossenheit und die Angst, Dinge endlich zu verändern, die so dringend einer Zeitenwende bedürfen? Wann beginnt der Kampf für den erforderlichen Wandel? Wahrscheinlich, wenn es zu spät ist. Oder ist es das nicht schon?

Caren Jeß seziert den gesellschaftlichen Wandel und dessen Nebenwirkungen. »Das Ringen um mehr Gerechtigkeit verharrt im Schwitzkasten reaktionärer Verhältnisse. Die Menschen ziehen sich von Zeit zu Zeit neue Klamotten an, aber innerlich bleiben sie dieselben.« (Ankündigung Theater Heidelberg)

Es geht um Sex und Drogen, um Bindungsängste und Zugehörigkeitsbedürfnisse, es geht um Wurst und lila Wohnzimmerwände. Der Popper schwelgt in Erinnerungen an die 80er Jahre, „wir sind immer schick inne Disco – ick bin n Popper jewesn!“, erklärt er. Inzwischen ist er mitgenommen, geistig und körperlich, und als er sich ein Dosenbier öffnet und in ein belegtes Brötchen beißt, reißt ein Herzinfarkt ihn aus dem Leben. Doch sein Geist verbleibt in der Altbauwohnung, die schnell wieder belebt wird – von Florentin, Justin und Ixix, die einem fancy Lifestyle frönen, der nicht auf moralische Integrität setzt, nein, abgehen soll der! Justin bringt dieser Lebensstil jedoch in Geldnöte, und so nimmt er einen Aushilfsjob an, gegenüber bei der Fleischerin, die von kruden Fantasien erzählt und sich dennoch einen pragmatischen Blick auf den Lauf der Dinge bewahrt.
Der Popper ist ein Stück über einen erlebten und einen drohenden Absturz. Mit Humor und Neugierde nähert sich der Text den Abgründen, die er verhandelt.