Michael Walter

Alle Reichtümer dieser Welt - 1938 entstanden, im Nachlass gefunden - setzt in O'Neills geplantem und zum Teil verbrannten historischen Zyklus das Schauspiel Fast ein Poet fort: Simon Harford hat Sara Melody gegen den Willen seiner Eltern geheiratet. Im Laufe seiner Ehe entwickelt er sich vom naiven Weltverbesserer, den Sara geliebt hat, zum rücksichtslosen Geschäftsmann, der zu der Erkenntnis gelangt: "Schlecht ist die Theorie, der Mensch sei von Natur aus das, was wir tugendhaft und gut nennen - statt dem, was er nun mal ist, nämlich eine Hyäne." Seine Mutter und seine Frau, die sich abwechselnd bekämpfen und gegen ihn verbünden, reiben ihn - und sich selbst - bis an die Grenzen des Wahnsinns auf. Am Ende scheinen Simon und seine Mutter diese Grenze überschritten zu haben.

"Die Angst vor dem Dahintreiben, genauer gesagt, die Angst davor, in eine Form des Faschismus hineinzutreiben, lag insgeheim Dem Mann, dem alles glückte, einem früheren Stück von mir, zugrunde. (...) In diesem Stück rang ich mit einer Frage, auf die es keine Antwort gibt - der Frage nach der Gerechtigkeit des Schicksals. (...)Der Mann, dem alles glückte sollte mich in all seinen zahlreichen Versionen Schritt für Schritt zu der Erkenntnis des Vater-Sohn- und Bruder-Bruder-Konflikts führen. David Bees war ursprünglich ein Waisenjunge, der in seiner Kleinstadt auf beinahe wunderbare Weise die Leiter des Erfolgs erklommen hatte. Sein Freund Amos war ein junger Baseballwerfer, dessen fanatischer Vater Pat ihn praktisch von Kindheit an trainiert hatte. Sein Sohn musste selbst in den langen Wintermonaten im Keller den Ball auf ein Ziel werfen. Kurz gesagt, Amos Leben sollte vor dem unberechenbaren Zufall geschützt werden. Pat gelingt es schließlich, einen Talentsucher für Detroit Tigers zu einem Spiel einzuladen. Der Talentsucher sieht, dass Amos gelähmt ist, sobald Spieler auf dem Schlagmal hinter ihm stehen. Im Keller musste er nur an das Ziel vor seinen Augen denken. Was Amos vor dem Versagen schützen sollte, bringt ihn zu Fall. Für David hat das einschneidende Folgen. Es isoliert ihn gefährlich von seinen Freunden in der Stadt. Eines Tages erkannte ich plötzlich, dass Amos und David Brüder waren und Pat ihr Vater. Nun beherrschte ein anderer quälender Konflikt die Geschichte. (...) Als Der Mann, dem alles glückte 1944 an den Broadway kam, gelang es dem Stück immerhin, alle Kritiker bis auf zwei völlig zu verwirren." (Arthur Miller in seiner Autobiographie Zeitkurven)

Dion Anthony ist ein überempfindlicher, verwundbarer Künstler, der Masken trägt: wie ein Visier, aus Notwehr, zum Schutz, als Symbol der Fremdheit zwischen den Menschen. Sein Gegenspieler ist der nüchterne, unschöpferische Geschäftsmann William Brown - beide sind seit ihrer Kindheit in Freundschaft unlösbar aneinandergekettet. Sie lieben die gleichen Frauen: Margaret, die Ehefrau Dions, die ihm treu ist, und die Dirne Cybel, die von Brown ausgehalten wird, ihm aber keineswegs treu ist. Sie sind Partner in einer Architekturfirma: Brown beutet die Einfälle Anthonys aus. Der sterbende Dion Anthony reißt sich die zynische Maske herunter, enthüllt ein Leidensgesicht und findet von Cybel geleitet, zum erlösenden Gebet. Brown, den er als "Großen Gott Brown" verspottet hat, nimmt Dions Maske, um als Dion Brown alles an sich zu reißen, worum er Dion Anthony beneidet hat. In der Aufspaltung - der maskierte Erfolgsmensch Brown, der maskierte Ehemann Margarets Dion - gewinnt er durch Leid und Schuld eine,, wie O'Neill kommentiert, "gequälte Christenseele, um Glauben bettelnd und ihn schließlich auf den Lippen Kybeles findend". Dieses 1925 entstandene Stück ist O'Neills Version eines "Faustspiels".

Gleichsam in der Erinnerung von Lucas, dem jüngsten Teammitglied, in dem wir Simons Alter Ego erkennen, betreten wir die 'surreale' Welt des Zimmers, wo eine Gruppe von Gagschreibern im Jahre 1953 die allsamstägliche Fernsehkomödie von Max Prince kreiert. Diese neue Komödie von Neil Simon ist seine Hommage an Sid Caesar, zu dessen Autorenteam für seine erfolgreiche TV Comedy Show er in den fünfziger Jahren gehörte, zusammen mit Leuten wie Mel Brooks, Larry Gelbart und Woody Allen.

Als Felix nach zwölfjähriger Ehe von seiner Frau Frances vor die Tür gesetzt wird, nimmt Oscar ihn bei sich auf. Beide versprechen sich von dieser Zweckgemeinschaft nur Vorteile: halbe Miete und Haushaltungskosten, denn sie müssen ja Alimente für ihre Geschiedenen zahlen.

Doch was am Anfang aussieht wie eine ganz normale Männer-WG, entpuppt sich bald als eheliches Panoptikum, mit dem einzigen Unterschied, dass das ewig wischend und putzende Heimchen am Herd eben keine Frau, sondern ein Mann ist.
Außer Staubsauger, Luftwaschfilter und diversen Kochutensilien hat Felix alle nur erdenklichen Desinfektionssprays in seiner Aussteuer und beginnt die Männerkiste gnadenlos zu zerputzen. Aus Oscars originell-chaotischer Single-Behausung wird dank Felix´ unermüdlicher Schaffenskraft ein steriler und keimfreier Musterhaushalt.
Der Boden glänzt, als ob er nass wäre, die Wäsche ist nicht nur sauber, sondern rein, und Oscar lernt, dass sich ein anständiger Mann beim Pinkeln hinzusetzen hat.
Verständlich, dass für Oscar das Zusammenleben mit einem solchen Über-Partner auf Dauer nicht durchzustehen ist und er schmeißt Felix kurzerhand hinaus. Doch der landet sanft auf dem warmen Futon der Pink-Sisters...

Das ungleiche Paar ist die Damenversion von Neil Simons Erfolgskomödie Ein seltsames Paar. Die Handlung folgt weitestgehend dem bekannten, in Hollywood verfilmten Original, wobei geschlechterspezifische Abweichungen natürlich nicht ausbleiben. Das Damenkränzchen trifft sich z.B. nicht zum wöchentlichen Poker, sondern spielt Trivial Pursuit. Und aus den beiden Engländerinnen, die Oscar und Felix besuchen, werden hier die zwei Spanier Manolo und Jesus. Aber auch in dieser Version läuft es auf einen turbulenten Ehekrieg hinaus, den zwei von ihren Ehemännern getrennt lebende, höchst unterschiedliche Freundinnen miteinander führen.

Eugene O'Neills berühmtes, autobiographisch gefärbtes Familiendrama zeigt von Morgen bis Mitternacht eines einzigen Tages das Leben, das Leiden der Familie Tyrone, deren Mitglieder, in ihre Neurosen eingesperrt, im Aufrollen der Vergangenheit ihr Innerstes und ihre Beziehungen zueinander enthüllen. James Tyrone, einst ein erfolgreicher Schauspieler, kann seine armselige Jugend nicht vergessen udn tyrannisiert die Familie mit seinem Geiz, an dem bereits ein Sohn zugrunde gegangen ist. Das Bewusstsein dieser Schuld treibt Tyrones Frau in die Morphiumsucht. Der Sohn James wird zum Trinker und Zyniker; sein jüngerer Bruder Edmund leidet an Schwindsucht, die als Sommergrippe bagatellisiert wird. Die Ausweglosigkeit ihres Schicksals treibt die vier Menschen in gegenseitiges Quälen, Anschuldigungen, Verzeihen und zum brutalen Aussprechen der Wahrheiten, die sich jahrzehntelang hinter Lebenslügen verstecken mussten.

Familienleben ist ein scharfsinniges abgeschlossenes Kammerspiel über die Ehe, eine sowohl nüchterne als auch komische Reflektion über die Einsamkeit im Zusammenleben. Peter und Ann sind so wortgewandt wie die romantischen Gefechtsgegner in den Stücken von Noel Coward.
Aber es wird deutlich, dass ihnen echte Kommunikation nicht leichtfällt. Während sie sich vom freundlich bissigen Geplänkel zu krassen Enthüllungen bewegen, betritt das Stück dunklere Gefilde…,
wo die echte Bedrohung durch Gewalt und Zerstörung nicht von außen in eine behagliche Welt kommt, sondern von innen. Die Zoogeschichte vollzieht die implizierte Bedrohung.
Wenn Familienleben eine Ohrfeige ist, ist Die Zoogeschichte ein Faustschlag in den Bauch.“ (Ben Brantley, The New York Times)

Cornelius Melody, Sohn eines irischen Bauern, ist nach dem unrühmlichen Ende seiner Offizierslaufbahn unter Wellington nach Neuengland ausgewandert. Als kleiner Gastwirt lebt er von der Illusion einer großen Vergangenheit und kultiviert die Pose Byron'schen Weltschmerzes. Dieses angenommene Ich wird vernichtet, als die reiche Yankee-Familie Harford ihm eine finanzielle Abfindung anbietet, um die Ehe zwischen ihrem Sohn und Melodys Tochter zu verhindern. Melody fordert Satisfaktion, wird aber von der Dienerschaft der Harfords aus dem Haus geprügelt. Der gedemütigte Major erschießt seine geliebte Stute, die für seine Familie ohnehin nur Belastung war. Seine Phantasiewelt ist zerschlagen, Melody ergibt sich in sein Schicksal und macht sich trotzig mit den Stammgästen seiner Kneipe gemein. Eine Wandlung, die die Familie in dieser Rigorosität auch nicht akzeptieren kann.

Eigentlich eine Katastrophe: Fünf Frauen im gleichen Kleid. Es ist Hochzeit. Und Frances, Meredith, Trisha, Mindy und Georgeanne sind die Brautjungfern. Dieses recht unterschiedliche, muntere Quintett trifft sich in wechselnden Zusammensetzungen im Schlafzimmer. Zum Champagner kreist der Joint, die Stimmung steigt. Es wird gelacht, geredet, gestritten, Lebenspläne werden revidiert, Geständnisse gemacht. Und natürlich wird über Männer gesprochen. Jede von ihnen hat Erfahrungen mit dem selben Provinzbeau gemacht. Das ist immer noch Anlass für Streitigkeiten, Diskussionen über die Liebe. Schließlich klopft es: Tripp ist gekommen, um Trisha abzuholen. In der Hoffnung, die wahre Liebe zu finden, wollen sie die Nacht gemeinsam in einem Hotelzimmer verbringen. Vor dem Abschied macht Tripp ein Foto von den Fünfen.
Fünf im gleichen Kleid ist ein Porträt der heutigen Frauengeneration und ihrer kleinen Schwestern. Eine Gesellschaftsstudie, von leichter Hand koloriert. Die Momentaufnahme eines Sommertags, an dem Hoffnungen, Träume, Sehnsüchte und Ängste kulminieren. Die Zeit der Aufbrüche, Anfänge. Ein Lebensrück- und vorblick, voll leichter Melancholie mit einer großen Portion Hoffnung, lebensbejahender Ironie und Humor erzählt.

Dieses neue Stück ist eine Kompilation aus den drei bekanntesten Einaktern CALIFORNIA SUITE, LONDON SUITE und PLAZA SUITE.
Man trifft also wieder auf Diana und Sydney, Grace und Millie und Marvin.
Die Nacht der Oscars im Ersten Akt. Die unsinnige, gleichzeitig buchstäblich und im übertragenen Sinn berauschende Hoffnung auf die begehrte Trophäe macht die Betroffenen in erster Linie zu Opfern ihrer eigenen Ruhmsucht und bringt jede Facette ihrer Persönlichkeit, sowohl die anrührenden Verletzlichkeiten als auch die groben Eitelkeiten, mit unerbittlicher Schärfe und beißendem Spott, aber auch mit einem sehr versöhnlichen Humor ans Licht.
Der Zweite Akt beschreibt gleichermaßen die Vorbereitungen zu einer Feierlichkeit, die wie prädestiniert sind für das Genre der Gesellschaftskomödie: Diesmal die bevorstehende Hochzeit der Tochter Millies und Marvins, die sich aber im Bad der Hotelsuite zu verschanzen beliebt, solange, bis ihr zukünftiger Ehemann auf der Szene erscheint und das Zauberwort spricht. In der Zeit dazwischen, die sich ausdehnt wie eine Lebenszeit, schafft sie es, ihre beiden Eltern jeglicher Contenance zu berauben und sich voreinander und vor ihr derart zu entblößen, daß die Hochzeit danach in einem völlig zerstörten Setting mit komplett derangierten Eltern dem Zuschauer sinnlos erscheint und nurmehr wie ein Vorbild dessen, was ihr selbst blühen wird, und in einer Gesellschaft wie der dort beschriebenen vielleicht sogar jedem, der solch ein Wagnis einzugehen versucht.

Dr. Melanie Hunter ist eine engagierte, hochmotivierte Onkologin an einer Universitätsklinik. Sie und ihr Forschungsteam haben ein nebenwirkungsarmes Medikament zur Behandlung von Brustkrebs entwickelt, das gerade die klinische Arzneimittelprüfung durchläuft, bevor es zugelassen wird. Melanie baut darauf, dass dieses prestigeträchtige Projekt ihr die Festeinstellung bringen wird, die ihr frauenfeindlicher Chefarzt ihr bislang verweigert hat. Als die junge Shauna mit Brustkrebs im fortgeschrittenen Stadium eingeliefert wird, weil sie keines der herkömmlichen Medikamente verträgt, wird sie in die Patientengruppe aufgenommen, an der das Medikament getestet wird. Die Studie wird von Melanies Kollegen David geleitet, mit dem sie auch privat liiert ist. Zunächst läuft alles gut, es geht Shauna besser, aber dann bekommt sie heftige Blutungen, und Melanie muss zu ihrem Entsetzen erfahren, dass die Patientin schwanger ist, denn Schwangere sind ausdrücklich ausgenommen von der klinischen Studie. Das Herz des Kindes schlägt nicht mehr, und die Ärztin muss einen Abbruch vornehmen. Noch bevor Melanie beginnen kann zu eruieren, wie es zu diesem Fehler kam, teilt der Chefarzt ihr mit, dass er sie mit sofortiger Wirkung vom Dienst suspendiert, nachdem das Ethik-Komitee des Krankenhauses eine Anzeige gegen Melanie wegen arglistiger Täuschung erhalten hat und eine Untersuchung einleitet. Somit ist Melanie von allen Informationen abgeschnitten und sieht möglicherweise dem Ende ihrer beruflichen Laufbahn entgegen, scheinbar zur Tatenlosigkeit verdammt. Wer hat die Anzeige erhoben? Wer streut weitere, ihr schädliche Gerüchte im Zusammenhang mit dem neuen Medikament?
Daniel Freudenberger hat mit Informed Consent einen spannenden, komplexen Thriller aus der Welt der modernen Medizin geschrieben, der in einem überraschenden Showdown endet.

Der Schwarze Brutus Jones, ein ehemaliger Pullman-Schaffner, hat sich zum Kaiser einer westindischen Insel aufgeschwungen. Die Macht in Händen beutet er die naiven einheimischen Schwarzen restlos aus, bis sie sich unter der Führung ihres Häuptlings Lem gegen ihn erheben. Kaiser Jones muss durch den Urwald fliehen, begleitet vom unheimlichen Getrommel der Eingeborenen, die sich mit heidnischen Ritualen zum Kampf gegen ihn rüsten. Jones, zuerst selbstbewusst und zielsicher, verliert im undurchsichtigen Dschungel zusehends die Orientierung und ist, von Paranoia gepackt, unheimlichen Erscheinungen ausgesetzt, die ihn in unterschiedlicher Gestalt mit vergangenen Untaten konfrontieren. Gehetzt von Schuld, verwirrt vom Gedröhn der Trommel und seinen Schreckensvisionen, läuft er seinen Verfolgern direkt in die Arme udn stirbt im Hagel der Silberkugeln - eines Kaisers würdig. Eugene O'Neil, der mit seinen Dramen gerne auch formal experimentierte, hat sich in Kaiser Jones, entstanden 1920, der Mittel des Expressionismus bedient und ein Mono- und Stationendrama geschaffen, das den "Helden" auf seinem Weg ins eigene Innere sicht- und hörbar begleitet.

Bessie, die Schlüsselfigur dieser schwarzen Komödie, versorgt seit zwanzig Jahren selbstlos ihren bettlägerigen, todkranken Vater Marvin und ihre schrullige Tante Ruth. Doch bei ihr selbst wird Leukämie diagnostiziert. Ihre Schwester Lee, die seit Jahren den Kontakt zur Familie abgebrochen hat, muss sie bitten, von Ohio anzureisen und ihr Rückenmark (und das ihrer Söhne) auf eine mögliche Transplantation testen zu lassen. Lee ihrerseits hat die ständige Sorge um ihren halbwüchsigen Sohn Lee, der in eine psychiatrische Klinik eingewiesen wurde, nachdem er ihr Haus und die halbe Nachbarschaft abgebrannt hatte.
Bessies Güte kann weder ihre eigenen körperlichen Gebrechen noch die ihres Vaters und ihrer Tante heilen. Ihre Wirkung auf den psychischen Zustand der Schwester und ihrer unsozialen Neffen ist die jedoch eigentliche Geschichte von Marvins Töchter. Die unkritische, arglose Liebe, mit der Bessie sowohl sie als auch die Alten überschüttet, verändert Lee und ihre Söhne unweigerlich.
In McPhersons Welt werden verschiedene Zustände der Verkümmerung skizziert. Das Leben ist erfüllt vom ständigen Kampf gegen Krankheit und Tod.

Marvins Töchter wurde mit Robert de Niro, Diane Keaton, Meryl Streep und Leonardo di Caprio verfilmt.

Im neuesten Stück von Edward Albee geht es um Identität und Selbst, um Abhängigkeiten und Unabhängigkeit im Kontext von Familie. Und der Altmeister hatte ganz offensichtlich Spaß beim Schreiben dieses absurden Stücks, mit dem er seine Zuschauer reichlich verwirrt.
Kein Albee-Familienstück ohne die Figur der unaufmerksamen, nachlässigen Mutter. Die Mutter in Me, Myself and I hat achtundzwanzigjährige eineiige Zwillinge, die sie nicht auseinanderhalten kann. Was sicher nicht nur, aber vielleicht auch daran liegt, dass sie beide Otto heißen, obwohl einer OTTO (laut) ist und der andere otto (leise). Der Vater der Zwillinge hat sich direkt nach ihrer Geburt aus der Familie verabschiedet und ist seitdem verschollen. Kurz danach ist der Mann, der einfach als „Dr.“ bekannt ist, in Mutters Leben und Bett aufgetaucht – als ihr Psychiater? - und seitdem nicht von dort gewichen.

Zu Beginn des Stücks verkündet der Großbuchstaben-Otto, der laute Otto, dass er zwei Dinge beschlossen hat, nämlich dass er Chinese wird – denn die Zukunft liegt im Asien und er will daran teilhaben – und dass sein Bruder nicht mehr existiert. Verständlicherweise ist die Familie von diesen Aussagen beunruhigt, allen voran Kleinbuchstaben-Otto, dem seine Negierung Kummer macht. OTTO hat leichtes Spiel, seine Mutter davon zu überzeugen, dass einer ihrer Söhne nur in ihrer Einbildung existiert…

Neil Simon hat seine Erfolgskomödie aktualisiert.

Das sich zwischen Sinnlichkeit und Geist entfaltende Leben ist nur ein seltsames Intermezzo. Dies ist die Quintessenz der Lebenserkenntnis von Nina Leeds, die von ihrem Vater an der Erfüllung ihrer Liebe zu dem Fliegerleutnant Gordon Shaw gehindert wird und zahlreiche Irrwege einschlägt, um der Frustration zu begegnen. Nach der wahllosen Hingabe an Kameraden des im Krieg abgestürzten Geliebten findet sie Unterschlupf in der Ehe mit Sam Evans, dessen Kind sie wegen erblicher Belastungen in der Familie ihres Mannes nicht austragen kann. Das leidenschaftliche Verhältnis zu Dr. Darrell, der ihr ein gesundes Kind schenkt, wird durch den Zensor in Gestalt des väterlichen Jugendfreundes Charles Marsden getrübt, und das heranwachsende Kind, Gordon, spürt etwas von der Beziehung Ninas zu Darrell. Die Beherrschung der Männer ist eine prekäre Sache, doch der an Abgründen entlang führende Weg Ninas endet nach dem Verebben der Leidenschaften am Spätsommernachmittag im kühlen Haus ihres Vaters an der Seite des "guten alten Charly". Methodisch ist dieses 1926/27 entstandene Theaterstück insofern etwas Neues, als O'Neill hier von dem Beiseite- und Fürsichsprechen konsequenten Gebrauch macht und eine zusätzliche Realitätsebene schafft. Das stete Ringen der Figuren um besseres Gewahrwerden der geheimen Macht hinter den Dingen gibt dem Stück eine tragische Dimension.

Warum nicht wir zwei? Warum nicht heute nacht? Die Spielregeln sind klar und allgemein bekannt. Zwei Menschen begegnen sich flüchtig, begehren sich, tauchen sich in die Illusion, eine einzigartige Verbindung miteinander eingegangen zu haben, genießen die Idee der 'großen Liebe', obwohl sie es besser wissen und schon im nächsten Augenblick sich einem anderen Menschen zuwenden, mit diesem eine andere Seite ihrer selbst ausleben.
Auf Vorschlag des britischen Regisseurs Sam Mendes ("American Beauty"), hat David Hare den Reigen für ihn bearbeitet und in einer heutigen Großstadtsituation angesiedelt. Die Uraufführung dieser Bearbeitung mit dem Titel The Blue Room fand im Donmare Warehouse in London statt. Es spielten Nicole Kidman und Ian Glen.
Der Fokus der Betrachtung liegt auf dem Arrangement, das die Einzelnen mit sich selbst gemacht haben - die eigene Eitelkeit wird in den kurzweiligen Begegnungen gepflegt, das Selbstbewusstsein gestärkt, indem der Partner in einer anderen, 'niedrigeren' Gesellschaftsschicht, mit großem Altersunterschied oder mit geringerem Bildungsgrad gesucht wird. Das Fremde, das Andere zieht an. The Blue Room ist eine Studie, die Männer und Frauen auf der Suche nach Liebe zeigt, immer wieder verwechselt mit dem sexuellen Abenteuer. Vor allem zeigt sich hier das Dilemma, diese Verwechslung bewusst einzugehen: ihre große Einsamkeit und die Unruhe, andere Menschen zu konsumieren, um letztendlich von ihnen konsumiert zu werden.

Willimons The Parisian Woman spielt in Capitol Hill in Washington, D.C., wo einflussreiche Freunde die einzigen sind, die es zu haben lohnt. In dieser provokanten Komödie über schlechtes Benehmen in höheren Kreisen gesellen sich Lust und Begierde zu Ehrgeiz.
Im Zentrum steht Chloe, die alle Fäden in der Hand hält mit ihrem Charme, Esprit und ihrer Sinnlichkeit. Sie zieht ihr ganzes Register, um ihrem Ehemann auf den angestrebten Richterstuhl zu helfen. Wie weit wird das unorthodoxe Paar gehen beim Erklimmen der politischen Leiter?
Das Stück ist inspiriert von der französischen Komödie La Parisienne von Henri Becque, die 1885 uraufgeführt wurde.
Im November 2017 feierte das Stück seine Broadway-Premiere mit Uma Thurman in der Titelrolle.

Christine und Lavinia Mannon erwarten die Rückkehr des Brigadegenerals Ezra Mannon aus dem Sezessionskrieg - Lavinia, die Tochter, sehnsüchtig, Ehefrau Christine dagegen mit Abscheu. Sie plant den Mord an ihrem Gatten, um mit ihrem Geliebten Adam Brant, einem unerwünschten Neffen Ezras, zusammenleben zu können. Lavinia entdeckt Ehebruch und Mord, und als ihr Bruder Orin aus dem Krieg heimkehrt, stiftet sie ihn zum Mord an Adam Brant an. Aus Verzweiflung darüber nimmt Christine sich das Leben , und Orin, der den Selbstmord der über alles geliebten Mutter nicht verwinden kann, erschießt sich. Lavinia erkennt am Ende, dass sich ihre Rache gegen sie selbst gewandt hat, und kerkert sich im Haus der Mannons ein - tot schon im Leben.
Trauer muss Elektra tragen folgt in Handlung und Motiven der Atridensage, dei Eugene O'Neill zur Grundlage seines amerikanischen Familiendramas macht. Hier wie dort resultiert die Katastrophe aus der unglücklichen Verstrickung der Menschen in eine schuldhafte Vergangenheit und aus einer verdrängten, nicht gelebten Wirklichkeit.

Eine ganze Serie von Komplikationen entsteht, als Max seiner neurotischen Verlobten Jennifer gesteht, dass er in einem Moment großer Bindungsangst schon die Fantasie hatte, sie vor einen fahrenden Bus zu stoßen. Mitten in den sich daraus ergebenden Streit platzt Max' Bruder Barry, um die Botschaft seiner Ehefrau Patty zu überbringen, dass sie glaubt, in Max' und Jennifers Einladung zum Essen absichtlich nicht eingeschlossen worden zu sein.
Richard Dressers neue Komödie verbindet geschickt eine äußere Sitcom-Handlung mit einem dunklen, verstörenden Subtext. Schicht um Schicht schälen die rasiermesserscharfen Dialoge die verworren Unsicherheiten und Komplexe der Figuren heraus.