Liebe! Stärke! Mitgefühl!

12 Jahre nach seinem Erfolgsstück Meisterklasse über die große Maria Callas hat sich Terrence McNally in seinem neuen Stück Deuce erneut dem Sujet legendärer (wenn hier auch fiktiver) Frauen gewidmet.
Ort der Handlung ist das U.S. Open Tennisturnier. Leona Mullen und Midge Barker, die besten Doppelspielerinnen in der Geschichte des Tennis, sind als Ehrengäste des Turniers geladen worden, um eine Auszeichnung für ihre Verdienste um das Damentennis entgegenzunehmen. Dreißig Jahre liegt das Ende ihrer einzigartigen Sportkarriere zurück, zehn Jahre sind vergangen seit ihrem letzten Zusammentreffen – und das nicht ohne Grund.
Als Zuschauerinnen bei einem Match zwischen zwei jungen Spielerinnen liefern sich die beiden so unterschiedlichen Frauen einen Schlagabtausch über die Triumphe und Tragödien ihrer gemeinsamen
Zeit, über ihre Freuden und Leiden jenseits des Tennisplatzes und darüber, wie ihr Sport sich verändert hat – und stimmen, wie dereinst, selten überein in ihrer Sicht der Dinge.
Mit Deuce hat Terrence McNally ein charmantes Konversationsstück geschaffen – und großartige Rollen für zwei Theaterdiven. Angela Lansbury war die Uraufführung am Broadway Anlass, nach mehr als 25 Jahren erstmals wieder auf der Bühne zu stehen.

Die Meisterklassen, die die legendäre Maria Callas an der Julliard School in New York gab, sind die Ausgangssituation für dieses Stück von Terrence McNally. Es zeigt die Sopranistin gegen Ende ihres Lebens, nach dem Verlust ihrer Stimme und dem Ende der Bühnenkarriere - Callas, wie sie drei verschüchterte, junge Sänger unterrichtet. Darin zeigt sich die Sängerin als Perfektionistin, aber auch als extrem eitel, selbstbezogen, brutal, despotisch und hartnäckig - mit anderen, aber auch mit sich selbst.

In beiden Akten gibt es einen Moment, in dem die konkrete Situation in den Hintergrund tritt und die Callas in Monologen die entscheidenden Stationen ihres Lebens wieder durchlebt - die großartigen Höhepunkte ihrer Karriere an der Scala, aber auch ihre zerstörerische Beziehung zu Aristoteles Onassis. In diesen Monologen treten die Dämonen, die die Callas ihr Leben lang bedrängten, deutlich zutage: ihre Kindheit in Armut und im Schatten der hübscheren Schwester, der Kampf gegen weniger talentierte, aber attraktivere Sängerinnen am Anfang ihrer Laufbahn, die verzweifelte, lebenslange Sehnsucht einer unsicheren Frau nach Bewunderung und Liebe.
Diese Diskrepanz zwischen der öffentlichen und der privaten Person, zwischen der enormen Macht und Wirkung der Callas auf der Bühne und den peinigenden Erinnerungen an ihre eigene Ohnmacht, die sie nicht loslassen, bildet den Kern des Stückes.

Es beginnt traumhaft. Sally und Sam haben Sams Schwester Chloe und ihren Mann John für ein Wochenende auf Fire Island eingeladen. Sie wohnen im Haus von Sallys verstorbenem Bruder, einem Traumdomizil mit Luxuspool und Meerblick. Doch der schönste Ort schützt vor Ärger nicht. Was zu Beginn rund und vollkommen wirkt, entpuppt sich nach und nach als aufgeblasen und faulig. Sally beobachtet einen Schwimmer beim Ertrinken, die Männer prügeln sich und Chloe geht mit ihrer Hyperaktivität allen auf die Nerven. Der Pool bleibt leer, schwamm doch darin zuletzt der an Aids verstorbene Bruder. Der arrogante Besserwisser John ist an Krebs erkrankt und Sam will eigentlich keine Kinder. Die sensible Sally leidet an Selbstüberschätzung und Chloe entpuppt sich als erstaunlich klarsichtig hinter ihrer grellen Fassade.

Terrence McNally schreibt in diesem Stück über die unsichtbaren Tragödien jedes einzelnen, über Homosexualität, Aids und das menschliche Unvermögen, damit umzugehen; über Liebe, die stärker ist als sexuelle Begierde und die Hoffnung, dass alles doch irgendwie gut ausgeht.

Der zweite Einakter des STENDHAL-SYNDROMS, VORSPIEL & LIEBESTOD, ist der innere Monolog eines Dirigenten, während er ein Wagner-Konzert dirigiert. Er ist ein extravaganter, sexbesessener Egomane (Leonard Bernstein lässt grüßen), ungeheuer komisch in seiner Selbstbeweihräucherung, die konterkariert wird z.B. von den Gedanken seiner Frau (nämlich an ihren aktuellen Liebhaber) oder den feindseligen Gedanken des abgestumpften Konzertmeisters ("The next Toscanini you're not. ... You're the next asshole, period.")
Die Einsicht, dass ein großer Künstler nicht auch ein großer Mensch sein muss, wird hier auf's Amüsanteste veranschaulicht.

Es kann kaum größere Gegensätze geben. Johnny, der Ex-Knacki, der Lebenslustige, Lebenshungrige, der auch mal Shakespeare zitiert. Und Frankie, die vom Leben und von der Liebe die Nase voll hat und nur eigentlich nur eines will - ihre Ruhe. Aber den Gefallen tut Johnny ihr nicht. In einer Stadt wie New York, in der Gefühle alles sind, lässt sich Johnny nicht entmutigen - und allmählich lässt Frankie wenigstens mit sich reden ...

"When a work of art speaks to us beyond the intellectual and we are caught up by its erotic sensuality, we are said to be experiencing The Stendhal Syndrome."

Der erste der beiden Einakter, die dieses Phänomen beleuchten - Frontalakt - spielt in der Accademia in Florenz, wo sich drei amerikanische Touristen mit ihrer Führerin Bimbi vor Michelangelos David zusammengefunden haben. Der Zuschauer hört nicht nur, was sie sagen, sondern auch ihre Gedanken. Hector, der unlängst Frau und Sohn verloren hat, ist der einzige unter ihnen, der in Ehrfurcht vor dem großen Kunstwerk steht. Dass er in der Gesellschaft zweier Kunstbanausen ist, erzürnt ihn allerdings. Während die junge Lana darüber nachdenkt, wann es etwas zu essen gibt, kreisen Leos Gedanken darum, wie er sie ins Bett kriegt. Aber allmählich geraten auch sie in den Bann der Kunst.