Frank Heibert

Zwanzig Jahre nach ihrer Trennung spürt Emma ihren Ex-Mann Ulysses in einer abgelegenen Wohnwagensiedlung in den Bergen von Colorado, auf. Geht es ihr, die ihn damals mitten in der Nacht mit dem gemeinsamen kleinen Sohn wortlos verließ, um die endgültige Abrechnung jetzt, da er todkrank ist? Annapurna ist eine emotionsgeladene und tiefgründige Meditation über Liebe und Verlust mit dem einfachsten aller theatralischen Mittel: zwei Menschen in einem Raum.

"Ich denke, dass Theater wirklich mysteriös und verlockend ist für jemand, der Prosa geschrieben hat, und als ich ein Stück begann, war es für mich naheliegend, das Theater selbst zu einem der Themen zu machen, an denen ich interessiert war. Und ich spürte eine Verbindung, fast eine metaphysische Verbindung, zwischen der Schauspielkunst und der Angst zu sterben, die wir alle haben. Es schien mir, dass Schauspieler eine Art von Modell sind für die Art und Weise, auf die wir uns um das Wissen drücken, das wir unvermeidbar von unserem endgültigen Verschwinden haben. In gewissem Sinn zeigen uns Schauspieler, wie wir uns verstecken können. Der notwendige Identitätswechsel, den Schauspieler im Verlauf ihrer normalen Arbeit vornehmen, enthält etwas, was fast wie eine Anleitung ist, das zu verbergen, was wir über uns selbst wissen. Ich denke, das ist die wesentliche Aussage der Rede des zweiten Aktes, in dem eine Schauspielerin nicht nur die Charaktere auf der Bühne anspricht, sondern das Publikum im Theater, und sagt: 'Wir zeigen Ihnen, wie Sie sich vor dem verstecken können, was Sie kennen.'" (Don DeLillo zu Der Tagesraum 1987)

Hinter dem Titel Tiny Kushner verbirgt sich eine Reihe von Einaktern.
Der brillante amerikanische Dramatiker Tony Kushner nimmt uns mit auf Reisen zum Mond und ins Jenseits mit Laura Bush, Nixons Analytiker, der Konigin von Albanien und einer Vielzahl von realen Steuerhinterziehern. Sie alle irren verloren in einer zunehmend fragilen Welt umher. Tony Kushner ist bekannt dafür, große Stücke über große Themen wie homosexuelle Identität, AIDS oder Antikommunismus zu schreiben. Doch auch mit diesen fünf kurzen Texten schafft er es, politische und moralische Fragen humorvoll und sehr lebhaft zu stellen.
Die Stücke geben einen Einblick in die phantasievolle Vorstellungskraft des Dramatikers. Sie sind abwechselnd schrullig und komisch und verschmelzen existenzielle Themen wie Tod, Steuern und Erlösung miteinander.
(Ankündigung des Nationaltheaters Mannheim)

"Wenn Ihre Eltern vor Ihrer Geburt alles über Sie gewußt hätten, wären Sie dann je auf die Welt gekommen?"
Rob Stein ist Arzt. Die Firma, für die er arbeitet, hat eine Chromosomenanalyse entwickelt, die bereits in der allerersten Zeit einer Schwangerschaft angewendet werden kann. Als seine Frau Suzanne schwanger wird, unterzieht sie sich diesem Test. Das Resultat zeigt, dass sie einen gesunden Jungen bekommen wird, der aber mit 90prozentiger Sicherheit schwul sein wird. Die Eltern und Rob drängen Suzanne zur Abtreibung. Suzannes schwuler Bruder David kann es nicht fassen, dass seine bis dahin so liberalen Verwandten so denken. Er kämpft um das Leben seines ungeborenen Neffen. Schließlich überzeugt er Suzanne, das Kind auszutragen. Aber unter dem Druck ihres Mannes und ihrer Eltern entschließt sie sich doch zur Abtreibung - viel zu spät: Sie wird nie wieder ein Kind bekommen können.
Am Ende stehen Verzweiflung und Ratlosigkeit. David lässt seinen Freund anrufen, dass er nie wieder mit seiner Familie etwas zu tun haben will. Der Verlust des Sohnes macht die Mutter krank. Die Folgen der Abtreibung werden die Ehe von Suzanne und Rob zerstören. Die Familie ist auseinandergebrochen.

Am Tag der arrangierten Hochzeit von Lea und Menasche fährt ein Dibbuk in Leas Körper. Es ist die ruhelose Seele von Hanan, einem mittellosen Jeschiwa-Schüler. Er starb mit dem 'verbotenen Namen' auf den Lippen und der Kabala in der Hand. Sein verzweifelter Versuch, mittels der Alchemie Gold herzustellen, um Lea ehelichen zu können, verband ihn mit den dunklen Mächten.
Die Toten dürfen nicht unter den Lebenden weilen. Rabbi Asriel fleht den Dibbuk an, Leas Körper zu verlassen. Umsonst. Der Rabbi sucht in der Vergangenheit der Väter nach dem Grund für das Geschehen. Er ruft Nissim, Senders früheren Freund, aus dem Reich der Toten vor das Rabbinische Gericht. Sender und Nissim hatten sich in der Jugend versprochen, ihre Kinder zu vermählen. Sender hat diesen Schwur unwissentlich gebrochen: Er wusste nicht, dass Hanan der Sohn seines verschollenen Freundes Nissim war. Der Geist von Nissim kann ihm nicht verzeihen, auch deshalb nicht, weil Sender keine Anstrengung unternommen hat, nach seinem Freund zu suchen. Auch die Austreibung des Dibbuks misslingt: Hanans und Leas Seelen vereinigen sich. Die Vorhersehung ist stärker als der menschliche Wille.

Amanda, eine reiche, dünne und neurotische Dichterin, ruft mitten in der Nacht aus ihrem schicken Apartment in Chelsea die Telefonseelsorge an, weil ihr Ehemann Ford, ein freischaffender Filmemacher, seit zwei Wochen nicht von einem Spaziergang zurückgekehrt ist - ein Zeitraum, der zwei Drittel ihrer Ehe und die Hälfte ihrer Bekanntschaft ausmacht. Am Telefon ist Bea, deren Vorstellung von Zuhören die ist, selbst zu reden: "Sie haben keine Ahnung, was Einsamkeit heißt, bevor Sie nicht in meiner Haut gesteckt haben, aber von Kopf bis Fuß. Da haben Sie Einsamkeit nicht mal gekostet, nicht im selben Land mit ihr gelebt."

Die zweite Szene spielt in derselben Nacht: Serge, ein sehr schönes Model, bekommt Besuch von Otto, seinem Ex-Liebhaber direkt aus der Hölle: Otto ist fett und verrückt, quasselt pausenlos und ist wütend auf alles und jeden. Er will sich mit Gewalt wieder in Serges Leben drängen. Mit einer Tüte voll Junk Food unterm Arm kommt er herein und fängt sofort an, sich voll zu stopfen. Zwischen seinen Attacken auf den hilflosen Serge nimmt er immer wieder Anrufe seiner Mutter und seiner Therapeutin entgegen. Otto ist in jeglicher Hinsicht raumfüllend - und mit jedem neuen Happen, mit jeder neuen Ablehnung stockt er seinen Selbsthass auf...

Wie es sich für eine Farce gehört, stellt sich in der letzten Szene heraus, dass die fünf Figuren des Stücks (Amandas Mann kommt schließlich nach Hause) auf ganz unerwartete Weise miteinander verknüpft sind.

"In seiner Komödie L'illusion comique (1636) feiert Pierre Corneille das Theater als magische Illusionsmaschine. Pridamant sucht den Zauberer Alcandre in dessen Höhle auf, um sich von diesen Szenen aus dem Leben seines Sohnes Clindor, der sich seit Jahren nicht mehr zu Hause gemeldet hat, vorspiegeln zu lassen. Gespannt sieht der Vater dabei zu, wie sich der Sohn verliebt, wie er in Gefangenschaft gerät und die Flucht ergreift; entsetzt muss er mitansehen, wie Clindor schließlich erdolcht wird. Schlusspointe: Clindor ist Schauspieler, sein Tod war nur ein Bühnentod. Das vom Autor selbst etwas verschämt als "extravagante Bagatelle" bezeichnete und in Vergessenheit geratene Stück wurde in den letzten Jahren auch im deutschen Sprachraum wieder gerne gespielt. Ein französischer Klassiker im Hort der Gegenwartsdramatik? Nicht ganz: Gespielt wird hier nicht Corneille, sondern Tony Kushner. In seiner Nachdichtung hat der amerikanische Dramatiker vieles gerafft und manches hinzugefügt; das Gerüst und der Kern des Stückes aber bleiben unangetastet. Mehr noch: War L'illusion comique eine Hommage an das Theater, dann ist Die Illusion auch eine Hommage an L'illusion comique. Die Adaption liest sich wie eine sorgfältige, exquisit ausgestattete Neu-Edition eines kostbaren alten Textes. Kushner lässt sich - worin der besondere Charme seines Stücks besteht - vom alten Meister zu postischen Passagen inspirieren, wie man sie heute eigentlich nicht mehr schreiben würde, er poliert Corneille auf Hochglanz und erlaubt sich - bei allem Respekt - hier und da ein paar Änderungen." (Theater heute)

Eine Dorfgemeinschaft, in der jeder jeden kennt. Man(n) geht gemeinsam jagen und trinkt zusammen. Lucas ist einer von ihnen; er ist frisch getrennt, aber nicht allein. In seinem neuen Job als Kindergärtner ist er akzeptiert bei den Kolleginnen. Die Kinder scheinen Lucas zu mögen, besonders Clara. Aber dann, eines Tages, erzählt Clara seltsame Dinge, von Lucas, wie er sich vor ihr entblößte. Die Kindergartenleiterin
hält es für ihre Pflicht, die Elternschaft zu informieren, und löst damit eine Welle aus, die Lucas in die Isolation treibt. Egal, was er fortan tut, der Verdacht haftet an ihm, manifestiert sich immer mehr.
Die Gemeinschaft wehrt sich mit aller Entschiedenheit und Brutalität gegen den vermeintlichen Kinderschänder in ihrer Mitte. Als Lucas schließlich nichts nachgewiesen werden kann und auch Clara seine Unschuld beteuert, verebbt die Welle. Die Gemeinschaft nimmt ihn wieder auf. Doch die Narben sind tief, und die Jagd ist noch nicht zu Ende.

An der fortschrittlichen, inklusiven Eureka Day Grundschule in Berkeley, Kalifornien ist jedes Kind willkommen. Repräsentation, Geschlechtsidentität, soziale Gerechtigkeit – Eureka Day ist eine Bastion progressiver Ideale. Der engagierte Vorstand bestehend aus Schuldirektor Don und den Eltern Suzanne, Eli, May und Carina trifft sich wöchentlich in der Schulbibliothek, um die Belange der Kinder sehr umsichtig und empathisch zu verhandeln. Entscheidungen werden nur im Konsens getroffen. In einem Notfall-Treffen erfahren die Vorstandsmitglieder aus einem offiziellen Brief des Gesundheitsamtes: Es gab einen Mumps-Ausbruch an der Schule. Alle nicht immunisierten Kinder sollen zu ihrem eigenen Schutz in Quarantäne bleiben, bis diese Anweisung wieder aufgehoben wird. Diese Information muss an alle Eltern weitergegeben werden. Nun versucht das fünfköpfige Komitee diplomatisch darüber zu beraten, wie dies unter Rücksichtnahme der Bedürfnisse aller geschehen kann. Zur vollen Transparenz wird kurz darauf ein Online-Meeting mit der gesamten Elternschaft veranstaltet. Die Diskussion im Chat wird jedoch schnell persönlich und verletzend. Plötzlich sieht sich die Schulleitung mit der zentralen Frage unserer heutigen Zeit konfrontiert: Wie kann man einen Konsens erzielen, wenn sich niemand auf die Wahrheit einigen kann?

Diese Satire über das politisch korrekte, linksliberale Bürgertum verschiebt sich hin zu ernsthaften Diskussionen über Gemeinwohl und den Umgang mit wissenschaftlichen Fakten. Persönliche Erfahrungen verschmelzen untrennbar mit statistisch erhobenen Daten zu einem komplexen, emotionalen Argumentationswust. Der ideologische Krieg zwischen den Eltern ist entfacht.

Berlin in den frühen 1930er Jahren. Die Weimarer Republik liegt in den letzten Zügen, und die Nationalsozialistische Partei um Adolf Hitler wird von Tag zu Tag einflussreicher. A Bright Room Called Day ist eine Gesellschaftsstudie vom Widerstand, ein Künstlerdrama über die Kraft der Kunst in Zeiten politischer Katastrophen und die Verantwortung der Menschen für die Zeit, in der sie leben. Trotz dem bekannten Fortgang der Geschichte sind Kushners Figuren hoffnungsvoll, idealistisch und kämpferisch. Doch angesichts der übermächtigen Realität gerät selbst ihr Weltbild ins Wanken. (Ankündigung Schauspiel Frankfurt)

"Ein Schwulenpärchen driftet auseinander, weil der eine Aids hat und immer unästhetischer dahinsiecht; eine Mormonenehe zerbröckelt, weil manchmal auch ein Heiliger der letzten Tage seiner Natur gemäß lieber Männer liebt; ein omnipotenter, doch HIV-positiver Rechtswegbereiter der republikanischen Politpower sackt ab, weil selbst seine staatstragende Korruption letztlich auf physischer Gesundheit gründet. So weit die Handlung, drei grobfaserige, ziemlich beliebige Fäden, die dann allerdings kunstvoll zu einem faszinierenden Zeitbild verwoben werden. Homosexualität und Aids sind einerseits souverän thematisiert, andererseits wird der tragische Grundton immer wieder, dramaturgisch präzis und sprachlich brillant, von blitzendem Witz und berfreiender Ironie gebrochen.
Tony Kushner schildert das Spezielle und trifft das Allgemeine. Seine "Schwulen Variationen über gesellschaftliche Themen" (Untertitel) sind die Momentaufnahmen einer uralten Welt, die - wieder einmal - auf einen Nullpunkt zuschlingert. Die Köpfe und Körper der Menschen sind verseucht. Der Staat: bankrott. Die Religion: bankrott. Die Natur: bankrott. Was bleibt, ist hie und da eine lächerliche Liebe, da und dort ein Häufchen Heuchelei , viel reflexartiger Rassismus, vielerlei fanatisch-religiöse Surrogate und vor allem eine respektable Restmenge Selbsterhaltungstrieb, der die meisten weitermachen lässt, in der Regel unter dem Banner des ökonomischen Positivismus: Good Morning, America! Wir schreiben die Blütezeit Ronald Reagans. Es geht uns gut, und wem´s nicht gut geht, der ist aller Scheinheiligkeit nach selber schuld." (Neue Zürcher Zeitung über die Deutschsprachige Erstaufführung am Theater am Neumarkt, Zürich)

"Auch in diesem zweiten Teil serviert Kushner wieder eine ziemlich perfekte Mischung von Erotik, handfester Dramatik, Witz und Sentiment, Kitsch und phantastischer Exzentrik. Dramaturgisch effektvoll, in knappen, oft parallel geführten Szenen. Wiederum macht es den Reiz des Dramas aus, dass berührende Passagen homosexueller Liebe satirisch gebrochen werden, dass die Tragik Aids-Kranker zwar erschütternd fassbar, aber aus dem kaum Ertragbaren in eine humorvolle Brechung gerettet wird. Die Lebensbilder aus dem Amerika der Reagan-Ära und den folgenden Jahren sind zwar typisch amerikanisch, treffen aber ein allgemeines Lebensgefühl zwischen Liebe, Vernunft und Aids, wie es auch hierzulande seine Gültigkeit hat. In Perestroika, das im Jahre 1986 seinen Anfang nimmt, geht es nun mit den Hauptfiguren, Roy Cohn und Prior Walter, zu Ende, das Ehepaar Pitt trennt sich endgültig, obwohl Joe von Louis wieder verlassen wird, Mutter Pitt befreundet sich mit Prior, Belize und Louis, die Engel im Himmel geraten in höchste Ratlosigkeit über unsere Welt, Gott muss sich mit einer drohenden Schadensersatzklage herumschlagen: Prior wird noch einmal aus dem Himmel entlassen und darf das Jahr 1990 erleben. Roy, der rechtsradikale Schwulenhasser, brät zuletzt in der Hölle." (Die Welt über die Deutschsprachige Erstaufführung am Schauspielhaus, Wien)

"Ich halte das nicht aus, der Strand ist das letzte. Ich heiße Phyllis Hogan, und ich halte es am Strand einfach nicht aus. Für mich ist das der Inbegriff von Monotonie. Bloß Sand und Wasser und Sand und Wasser. Und noch mehr Sand und noch mehr Wasser. Bäh. Und da, bitte sehr, ein vollkommen gut erhaltenes Paar Schuhe aus Krokodilleder, von Gucci, total hinüber! Ich habe nie begriffen, was an der Meeresküste dran sein soll: Sand in den Strümpfen und junge Mädchen in knappen Badeanzügen mit knackigerem Körper als man selber. Als ich ein junges Mädchen war, habe ich mich immer im Sand eingegraben. Kopf zuerst."

Mit diesen Worten beginnen dieses Stück von Nicky Silver und Phyllis´ doch recht erstaunliche Überlegungen angesichts der Tatsache, dass sie und ihr Sohn Bishop gerade einen Flugzeugabsturz überlebt haben. Die beiden waren auf dem Weg zu Howard, Filmemacher auf Motivsuche in Italien, außerdem Phyllis´ nicht sehr treuer Ehemann und Bishops Vater. Bishop ist elf Jahre alt, stottert und treibt im folgenden seine Mutter mit seiner Katharine-Hepburn-Begeisterung zur Verzweiflung.

Und doch kommen sich Mutter und Sohn in den fünf Jahren, die sie an diesem Strand verbringen müssen vor ihrer Rettung (und in denen Bishop zum menschenfressenden Monster mutiert), auch näher. Fette Männer im Rock - eine ödipale Komödie?! Wieder zu Hause bringt Bishop jedenfalls seinen Vater um, nachdem schon dessen Geliebte Pam, die sich seit ihrer Rückkehr im Schrank versteckte bzw. als das Dienstmädchen ausgab, das Leben lassen musste, damit sie nicht Phyllis´ und Bishops kleines Geheimnis ausplaudern konnte...

Wie schon in Pterodactylus ist Silvers Thema in Fette Männer im Rock wieder die moderne Familie. Und wieder räumt er ihr keine sehr guten Überlebenschancen ein.

"When a work of art speaks to us beyond the intellectual and we are caught up by its erotic sensuality, we are said to be experiencing The Stendhal Syndrome."

Der erste der beiden Einakter, die dieses Phänomen beleuchten - Frontalakt - spielt in der Accademia in Florenz, wo sich drei amerikanische Touristen mit ihrer Führerin Bimbi vor Michelangelos David zusammengefunden haben. Der Zuschauer hört nicht nur, was sie sagen, sondern auch ihre Gedanken. Hector, der unlängst Frau und Sohn verloren hat, ist der einzige unter ihnen, der in Ehrfurcht vor dem großen Kunstwerk steht. Dass er in der Gesellschaft zweier Kunstbanausen ist, erzürnt ihn allerdings. Während die junge Lana darüber nachdenkt, wann es etwas zu essen gibt, kreisen Leos Gedanken darum, wie er sie ins Bett kriegt. Aber allmählich geraten auch sie in den Bann der Kunst.

Vivian Bearing ist Professorin für Lyrik des 17. Jahrhunderts und ihr Fachgebiet sind die geistlichen Sonette des John Donne - und damit ist sie Spezialistin für das Thema "Leben und Tod". Vivian Bearing hat Krebs im fortgeschrittenen Stadium. Trotz ihrer fortwährenden wissenschaftlichen Auseinandersetzung mit der Vergänglichkeit des Daseins hat sie sich nie mit ihrem eigenen Tod beschäftigt. Die einzige Überlebenschance, die ihr Arzt Dr. Kelekian ihr bieten kann, ist eine radikale, aggressive Chemotherapie. Vivian, die vor keiner Herausforderung zurück schreckt, nimmt den Kampf auf, wohl wissend, dass sie sich damit selbst zum Forschungsobjekt der Mediziner macht. Schon bald muss sie aber erkennen, dass zwischen den "Andachtsübungen für Notfälle des Lebens" und den Gedanken über das eigene Sterben mehr liegt als "hysterische oder inauthentische Zeichensetzung". Margaret Edson hat mit Geist ein "erschütterndes, aufwühlendes Stück" geschrieben, das keineswegs als schwerverdauliches Psychodrama daherkommt. Geist zeigt, oftmals ironisch, häufig sehr humorvoll, den Konflikt zwischen Geist und Körper in einer Extremsituation. Geist, das Theaterdebüt von Margeret Edson, wurde 1999 mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet.

„DeLillos brillanter Dreiakter ist eine philosophische Romanze, eine Metapher für Liebe und Tod.“ (Harpers)

In dichten und bewegenden Dialogen wirft Don DeLillos Stück die Frage auf, was das Ende des Lebens für Menschen unserer Zeit bedeutet. Gott der Träume ist das dritte Theaterstück des großen Romanciers, den es immer wieder gereizt hat, fürs Theater zu schreiben.
Alex war Landart-Künstler. Fasziniert von der Wüste und ihrer Vegetation lebte er im Südwesten der USA. Doch nun, nach zwei Schlaganfällen, ist der alte Mann ohne Bewusstsein und wird künstlich ernährt. Bei ihm sind Lia, seine vierte und viel jüngere Frau, die ihn hingebungsvoll pflegt, Toinette, seine zweite Frau, und Sean, der Sohn aus der ersten Ehe. Sie alle sind ihm durch ihr Leben tief verbunden – Lia voll bewundernder Liebe, Sean voller Enttäuschung über einen Vater, der sich nicht um ihn gekümmert hat, und Toinette voll Bitterkeit nach einer gescheiterten Ehe. Die Gespräche drehen sich um ihre Beziehung zu Alex, der im Wachkoma bewegungslos im Hintergrund sitzt. Vor allem aber um die Frage, wann und wie das Leben zu Ende gehen sollte. Sie ringen, mit wechselnden Positionen, um die Entscheidung, ob das Leiden beendet werden soll oder ob Alex das Recht hat auf seinen eigenen Tod. (Ankündigung Kiepenheuer & Witsch)

Am 11. September 2001, dem Tag der Terrorangriffe auf die USA, war sein neuestes Stück schon fertig. Der Erfolgsdramatiker Tony Kushner erfand ein Stück über Afghanistan, als die meisten noch nicht einmal wussten, wo dieses Land liegt. Die Aufführung am Broadway wurde ein durchschlagender Erfolg und löste in der internationalen Theaterwelt heftige Diskussionen aus. Das Theater Basel zeigt die deutschsprachige Erstaufführung: Homebody heißt Stubenhocker. Und in einem Sessel, in einer Stube in London fängt das Stück an. Homebody, eine unglückliche Mitvierzigerin, entwickelt, einen veralteten Reiseführers über Afghanistan lesend, eine erotische Faszination für das fremde Land. In einem absurden, furiosen Monolog verknüpft sie die bewegte und unheilvolle 3000jährige Geschichte Afghanistans mit ihrem eigenen Leben. Schnitt.
Der zweite Teil des Stückes entführt das Publikum in das Afghanistan des Jahres 1998: ein von Krieg zerstörtes, von Fanatikern regiertes Land. Ehemann und Tochter der Mitvierzigerin sind nach Kabul gereist, um den "zerfetzten" Leichnam ihrer Ehefrau und Mutter nach Hause zu überführen. Doch dieser ist verschwunden und gibt Rätsel auf. Auf der Suche verstricken sie sich in Abenteuer, in denen die kultivierte westliche Ignoranz gegen den Rest der Welt offen zutage tritt. (Theater Basel)

In den drei Akten dieses Stücks kommen an jeweils drei Sommerwochenenden acht Männer im Landhaus von Gregory, einem berühmten Tänzer und Choreographen, zusammen. Unter ihnen sind Bobby - Gregorys junger blinder Freund, der wie ein präraphaelitischer Engel aussieht - und Buzz - HIV-positiv, Gregorys Kostümbildner von Beruf und wandelndes Musical-Lexikon aus Leidenschaft. Außerdem der Anwalt Perry und sein langjähriger Partner Arthur, sowie John, der als Komponist gescheiterte, verbitterte Probenpianist von Gregory, und sein junger Lover Ramon, ein Tänzer. Schließlich noch James, Johns aidskranker Zwillingsbruder, äußerlich das Ebenbild, charakterlich der völlige Gegensatz zu John.
Im Verlauf des Stücks spielen sich zwischen diesen Freunden alltägliche Dramen in gewohnt traumatischer Weise ab. Ein Liebhaber wird betrogen. Überall gibt es sexuelle Spannungen. Die Rivalität zwischen Brüdern bricht offen aus. Das langjährige Paar kämpft mit den Früchten und den Lasten der Treue. Ein junger Tänzer fordert den alten heraus. Am Ende erlebt der Zuschauer, wie sechs der Freunde, in Tutus gekleidet, den pas-de-cygnes aus dem Schwanensee tanzen.

Der Titel des Stücks ist inspiriert von George Bernard Shaws Wegweiser für die intelligente Frau zum Sozialismus und Kapitalismus und Mary Baker Eddys Wissenschaft und Gesundheit mit Schlüssel zur Heiligen Schrift. Anknüpfend an diese Werke des 19. Jahrhunderts schaut das Stück auf das Leben des pensionierten Hafenarbeiters Gus Marcantonio, der vom 21. Jahrhundert verwirrt und niedergeschlagen ist. Es geht um ein zentrales Thema unserer Zeit: Haben Arbeiter ein Recht darauf, sich gewerkschaftlich zu organisieren und ist dies gut für die Gesellschaft? Im Sommer 2007 lädt Gus seine Schwester und seine drei Kinder (die ihre Ehepartner, Ex­Ehepartner, Geliebten und andere mitbringen) nach Brooklyn in sein Haus zu einer höchst unüblichen Familienvereinigung ein. Sie sollen darüber abstimmen, ob er Selbstmord begehen soll. Die Familie ist aufgebracht und es kommt zur familiären Abrechnung. Bisher unausgetragene und schwelende Konflikte werden nun offen ausgetragen. Mit Humor und Leidenschaft verhandelt das Stück die Bedeutung von Verbundenheit und Zugehörigkeit – zu einer Familie, einer Gemeinde, einer Gruppe, einer Ideologie, einer Ehe – und was passiert, wenn diese Beziehungen fehlen. In diesem Familiendrama kollidieren aufgebrachte Emotionen mit jahrzehntelangen unausgesprochenen Ressentiments. iHo ist ein Stück über Gewerkschaften, über Kommunismus, Marxismus und Sozialismus. Und es handelt von Verzweiflung, Tod und Sex. Was ist ein Menschenleben wert im Kapitalismus? (Ankündigung des Nationaltheaters Mannheim)

Ein kurzes Stück über ein großes Thema: Der Zerfall der Sowjetunion, das Ende aller Utopien und die russische Seele. Der Prolog spielt auf der Erde.
1 Akt: Kreml, März 1985. In der Zentrale der Macht vor der Wahl Gorbatschows. Reformer und Reaktionäre, Optimisten und Pessimisten streiten über schwache Blasen, den grauen Star, die Theorie und die Praxis, über Herz und Hirn. Eine Groteske am Rande der Verzweiflung. Am Ende geschieht eine Erleuchtung und es gibt zwei Leichen.
2. Akt: Der Wachraum eines obskuren wissenschaftlichen Instituts, am gleichen Abend. Eine junge Wärterin, ein alter Apparatschik. Er will Liebe, sie Zigaretten. Sie streiten, sie trinken Wodka, sie sind traurig. Katherinas neue Liebe - eine Frau: Bonfila - kommt dazu. Die Situation ist gereizt, der Mann geht nicht ohne Drohungen. Die beiden Frauen trinken weiter, sie beten um Wodka und die Rückkehr Lenins. Am Ende geschieht ein Wunder.
3. Akt: Talmenka, Sibirien 1992. Bonfila ist Ärztin, sie behandelt verstrahlte und mutierte Kinder. Ein Beamter aus Moskau kommt zur Inspektion. Am Ende geschieht kein Wunder.
Der Epilog spielt im Himmel.

Ben Lyons liegt im Sterben, den Krebs wird er nicht mehr besiegen. Nun ist seine Familie noch einmal zusammen gekommen, um dem Patriarchen Adieu zu sagen. Aber von Abschiedsschmerz kann keine Rede sein, dem baldigen Ableben des Familienoberhaupts sieht man eher mit Gleichgültigkeit, Bitterkeit und Wut entgegen. Nach einer langen lieblosen Ehe, freut sich Rita Lyon nun darauf, die alten Möbel aus dem Haus zu werfen und es neu zu dekorieren. Sohn Curtis’ Verhältnis zum Vater ist sowieso schon lange zerüttet, er ist schwul und erfolglos und damit eine einzige Zumutung für Ben. Dass Tochter Lisas Ehe am Alkohol und an häuslicher Gewalt gescheitert ist, würde man da lieber nicht auch noch erwähnen. Aber so einfach geht Ben Lyon nicht ab. Einmal noch werden die alten Kämpfe ausgefochten, offene Rechnungen aufgemacht und Lebenslügen entlarvt - erst dann ist Ben Lyons Leben zu Ende. Doch für die anderen geht die ewige Suche nach Liebe jetzt erst richtig los.

Mit The Lyons schaffte Nicky Silver 2012 erstmals den Sprung an den Broadway.

Michael Majeski ist ein moderner Odysseus: Als er eines Tages zu einem Geschäftsflug nach Valparaiso, Indiana, aufbricht, beginnt eine Irrfahrt, die in Valparaiso, Chile, endet. Mit dieser Story, die symptomatisch zu sein scheint für die Verwechselbarkeit und fast mühelose Erreichbarkeit von Orten in einer globalisierten Welt, wird Majeski über Nacht zum Talk-Show-Helden und Star des Tages: Nach seiner Rückkehr gibt er innerhalb von vier Tagen 67 Interviews in drei Städten. Der Anfang eines wahnwitzigen Alptraums, ein Thriller mit tödlichem Ende.

"I don't consider this parody or satire. I consider this, really, the story of a man with a missing identity and the means by which he seeks to pursue this identity. It happens that he does it publicly. This, to a certain degree, is also a play about cameras, microphones, and audio recording equipment. This is the taken-for-granted presence of the force of technology in our lives - which I try not to take for granted." (Don DeLillo)

Der zweite Einakter des STENDHAL-SYNDROMS, VORSPIEL & LIEBESTOD, ist der innere Monolog eines Dirigenten, während er ein Wagner-Konzert dirigiert. Er ist ein extravaganter, sexbesessener Egomane (Leonard Bernstein lässt grüßen), ungeheuer komisch in seiner Selbstbeweihräucherung, die konterkariert wird z.B. von den Gedanken seiner Frau (nämlich an ihren aktuellen Liebhaber) oder den feindseligen Gedanken des abgestumpften Konzertmeisters ("The next Toscanini you're not. ... You're the next asshole, period.")
Die Einsicht, dass ein großer Künstler nicht auch ein großer Mensch sein muss, wird hier auf's Amüsanteste veranschaulicht.

Diane Barrow, alternder Fernseh-Star, bemüht sich vergeblich, an ihren früheren Erfolg anzuknüpfen. Sie bekommt in Hollywood keine Rollen. Ihr Sohn Russell hat gerade sein Studium abgebrochen, ist nach L.A. zurückgekehrt und weiß jetzt nicht, was er mit sich anfangen soll. Seine ehemalige Freundin Pam, die eine Performance zum Thema sexueller Missbrauch in dem kleinen Theater Java Nagila macht, bewegt ihn dazu, eine Therapie anzufangen. Er erzählt der Therapeutin von seiner Kindheit, der unglücklichen Ehe seiner inzwischen geschiedenen Eltern und seinem besonders innigen Verhältnis zu seiner Mutter, die ihn schon früh zu ihrem Vertrauten machte.
Im Java Nagila macht Russell jetzt seine eigene Performance, in der er die "Ich bin das Opfer sexuellen Missbrauchs"-Mode persifliert. Er nennt sich das "Opfer einer glücklichen Kindheit". Aber dann erfährt er von seinem Vater Stan, dass seine Mutter ihn wirklich missbraucht und auch geschlagen hat. Im folgenden erlebt er, dass seine Mutter ihm ausweicht und die Verantwortung dafür ablehnt, dass es ihm jetzt schlecht geht.
Der Skandal nimmt seinen Lauf, der Ball kommt ins Rollen: Wir erfahren, dass Stan die Story in Hollywood verkaufen will. Alle Sender reißen sich jetzt um Diane.
Bedrängt von allen Seiten, geht Russell zu seiner Mutter, um ihr zu sagen, dass er bereit ist, alles als Missverständnis bekannt zu geben. Zu spät: Diane ist klar geworden, dass auch sie Opfer sexuellen Missbrauchs durch ihren Vater war. Ihr Entschluss steht fest, damit an die Öffentlichkeit zu gehen und dem Teufelskreis ein Ende zu machen.
Im Abspann hören wir von Diane Barrows unglaublichem Comeback. Sie verfilmt ihre eigene Lebensgeschichte.